Kino naujienos

2026-06-30 21:02

Mažos biudžeto kino kūrėjas Uwe Boll vėl pastato Hammerį į nepatogią padėtį, pasinaudodamas nuvalkiotais tropais šiame nesuprantamame filme. O, Armie Hammer! Ar iki šito atėjo? Atrodo, kad neseniai buvote Oscarų laimėjusiame filme „Call Me By Your Name“, kur vaidinote jautrų liberalą priešais Timothée Chalamet. Dabar čia esate, vaikščiodamas Zagrebo gatvėmis ir viešaisiais parkai, šaudydamas į musulmonus, tazeruodamas paauglius ir žudydamas korumpuotus giliai valstybėje esančius teisėjus, protestuodamas prieš tai, ką jūsų personažas ryžtingai apibūdina kaip „nepatenkintą islamistų ekstremistų užgrobimą ir aklą, sukrėstą kairę“. Daug kas nutiko šiam kadaise apdovanotam aktoriui ir naftos magnato Armand Hammerio proanūkiui. Jo reputacija smuko po 2021 metų kaltinimų seksualiniu priekabiavimu iš buvusių partnerių, kuriuos Hammeris tvirtina buvus sutikimo pagrindu. Baudžiamoji byla vėliau buvo nutraukta dėl įrodymų trūkumo, o dabar Hammeris grįžo į sidabrinį ekraną – ir čia jis yra labai pigioje, nesuprantamoje ir gėdingai prastai suvaidintoje šlakeryje, kurią rašė, prodiusavo ir režisavo Vokietijos mažo biudžeto eksploatacijos meistras Uwe Boll, pasinaudojantis visais keršto tropais. Svarbiausia, kad filmas buvo globaliai skatinamas ir reklamuojamas su milžiniška hipokrizija Elono Musko, kuris, kaip ir JD Vance, labai nori nukreipti Amerikos dėmesį nuo savo problemų į įsivaizduojamą beįstatymę migrantų kalifatą Europoje. Tai dar viena nesąmonė, užtvindanti zoną. Hammeris vaidina Sandersą, amerikiečių buvusį kareivį, kuris perėmė savo mirusio tėvo nekilnojamojo turto imperiją Kroatijoje. Jis yra įsiutęs dėl to, kaip migrantai ten prievartauja ir žudo. Taigi, naudodamas savo didžiulį ginklų arsenalą, jis nusprendžia juos visus nužudyti, ypač grupę prievartautojų – kartu su verksmingais progresyvistais teisėjuose, kurie leidžia jiems išsisukti. Jis taip pat nusprendžia nužudyti daugelį uniformuotų policininkų, kurių nuodėmė atrodo tik tai, kad jie nori jį suimti. Jis skelbia vaizdo įrašus, kuriuose pyksta šia tema, ir matome tradicinį montažą žmonių socialiniuose tinkluose visame pasaulyje, sakant, koks jis puikus. „Pilietinis vigilantas“ galbūt nori būti Michael Winnerio „Death Wish“ arba Dono Siegelo „Dirty Harry“ ar net Scorsese „Taxi Driver“. Tačiau tai buvo filmai, turintys įvairių aistrų, stiliaus, išmonės, tikslo, vizijos ir kompetentingų gamybos vertybių. Juose vaidino aktoriai, kurie mokėjo atlikti aktorystės darbą. Ir svarbiausia, jie buvo apie Ameriką, o ne apie šią „woke“ piñatą Europoje. Jei Boll ir Musk nori sukurti ir reklamuoti filmą apie įstaigos sąmokslą, tai kodėl nepadaryti smarkaus filmo apie Jeffrey Epsteino ir Donaldo Trumpo santykius? Tuo tarpu Hammeriui laikas grįžti prie to, ką jis darė prieš tai: laikyti laiko dalis Kajmanų salose.

2026-06-30 15:01

Olivia Wilde režisuoja ir vaidina kartu su Penélope Cruz bei Edward Norton keistai jaudinančioje istorijoje, kur Rogen'o lengvumas padeda suvaldyti neįtikėtinas siužeto vingrybes. Tai keturių asmenų komedija apie gėdą, tarsi JB Priestley būtų parašęs pjesę apie svyravimus. Tačiau be gėdos, ji yra intriguojanti, juokinga ir, galiausiai, kažkaip keistai jaudinanti. Viduriniosios klasės santuokinis gyvenimas satyruojamas per dvi poras, kurios patiria nepatogią vakarienę. Nepavykęs muzikantas ir jo žmona, kuriuos vaidina Seth Rogen ir Olivia Wilde (taip pat režisierė), kviečia savo stilingus kaimynus – terapeutą ir buvusį gaisrininką, kuriuos vaidina Penélope Cruz ir Edward Norton. Rogen'as yra pirmas tarp lygių šioje aktorių grupėje, ironizuojantis situacijos absurdiškumą žinomu humoru ar neįtikėtino pasipiktinimo šūksniais, ir naudojantis tą neabejotiną juoką. Scenaristai Will McCormack ir Rashida Jones akivaizdžiai mėgaujasi kiekvieno Rogen'o juokelio paruošimu, o be Rogen'o filmas galėjo pasirodyti pernelyg dirbtinis ir nuobodus. Iš tikrųjų, filmas yra adaptacija iš ispanų filmo „Žmonės viršuje“, kurį režisavo Cesc Gay, kuris iš pradžių buvo scena. Rogen'as vaidina Joe, vaikiną, kuris anksčiau buvo grupėje „Onslaught“, o dabar dirba muzikos mokytoju mažame liberalų meno koledže ir gyvena savo mirusių tėvų bute. Jis kenčia nuo depresijos ir psichosominių nugaros skausmų, nors poros (už kadro) 12-metė dukra yra beveik vienintelis šviesus taškas jo gyvenime. Angela (Wilde) paruošė išradingą vakarėlį savo superkietiems kaimynams Piña (Cruz) ir Hawk (Norton), kas sukelia niūriam Joe'ui sumišimą. Angela tariamai nori atsiprašyti už triukšmą, kurį jie sukėlė per neseniai atliktą renovaciją – tačiau Joe, savo pasyviu būdu, dabar ketina pakviesti Piña ir Hawk atsiprašyti už tai, kad neleido jam miegoti su savo neapgalvotu triukšmingu ir nevaržomu seksu. Seksas tampa tema, kuri nukreipia pokalbį netikėtomis kryptimis. Cruz ir Norton maloniai parodo, kaip Piña ir Hawk yra įspūdingai bohemiški ir progresyvūs; jie turi nepakeliamą įprotį kalbėti ispaniškai prieš savo šeimininkus, kas, žinoma, yra nemandagu, tačiau visada juos daro neįtikėtinai kozmopolitiškais ir elegantiškais. Kol Piña ir Hawk yra ramūs ir pasitikintys, vargšai Angela ir Joe yra prakaituoti ir įsitempę, gėdijasi ir pyksta, kaip provinciališkai jie jaučiasi. Scena tikrai paruošta baisiam kultūriniam susidūrimui. Tačiau tai ne visai tai, kas vyksta. Tam tikra prasme, tai yra triukšmingas, ginčytinas, per daug kofeino turintis filmas; jis užtrunka, kol nusistovi, ir iš tikrųjų prasideda beveik kiekviena dialogo eilutė, kuri yra akivaizdžiai akcentuojama muzikinio fono – slopinančiu manierizmu, kuris, laimei, ilgai netrunka. Tai tikrai platus, teatrinis ir dirbtinis, o nuotaikų pokyčiai yra beveik kaip vakarienės teatras savo staigumu – tačiau Rogen'o komedijos kredencialai reiškia, kad grynas siužeto absurdiškumas yra priimtinas. „Kvietimas“ primena Romano Polanskio keturių asmenų „Carnage“ iš 2011 metų, adaptuotą iš Yasmina Reza pjesės – arba iš tikrųjų Francis Veber pjesės ir filmo „Le Dîner de Cons“, perdirbto kaip „Dinner for Schmucks“ su Steve Carell. Galbūt yra kažkas apie buržuazinius žmones, kurie gėdijasi vakarienės metu, kas turi tam tikrą eksportuojamą patrauklumą. „Kvietimas“ yra juokingas... ir Rogen'as yra savo elemente. „Kvietimas“ jau rodomas JAV, 2023 m. liepos 3 d. JK ir 2023 m. liepos 9 d. Australijoje.

2026-06-30 09:01

Athena Park bėga nuo futuristinių plėšikų postapokaliptinėje pasakoje, kuri atrodo patraukliai, bet labai pažįstamai. Praėjus beveik dešimtmečiui po metų, kai buvo sukurtas Blade Runner, šis filmas ir toliau laikomas aukso standartu distopinėms ateities vizijoms. Tai akivaizdu iš purvinos žalios miglos ir Azijos ženklų sugedusiame didmiestyje, kur prasideda šis lėtas sci-fi trileris; tai paskutiniai civilizacijos likučiai po neaiškios katastrofos, vadinamos Įvykiu. Žemė įstrigusi naujame tamsiame amžiuje, o už miesto ribų nuodingas rūkas viską apgaubia nuolatine žiema. Laimė, kad pagrindinė herojė, vaikinas (Athena Park), turi patogiausiai atrodančią megztą skarą. Ji priversta bėgti, kai jos tėvas, svarbaus klano vadovas, yra užpultas, uždusintas ir pervertas kaukėtų plėšikų, kurie reikalauja sužinoti jos buvimo vietą. Prie jos prisijungia žavingai barzdotas vasalas Nobel (Josh Bainbridge), pasiruošęs su katana, kad nuvestų ją į pavojingas žemes – ir, tikimės, į jos tetos (Lora Burke) glėbį, apie kurią ji net nežinojo. Su šiuo paviršutinišku apokalipsės vaizdu ir apytiksliai pavaizduota socioekonomine aplinka, bendraautorius ir debiutinis režisierius James Anthony Usas stengiasi sukurti daugiau nei tik standartinius susitikimus šiai klajojančiai porai. Yra sustojimas improvizuotoje garaže/futuristinėje greito maisto vietoje, gelbėjimo misija pas dar daugiau Mad Max atstovų ir, žinoma, privalomi kanibalai. Net ir pagrindinė siužeto linija – kybernetinė technologija, kurią sukūrė vaikino tėvas, o jos teta yra svarbi – atspindi Blade Runner susirūpinimą tapatybe, tačiau nesiekia tokių egzistencinių gylio. Išskirtinai serganti atmosfera, Paskutiniai žudikai vizualiai yra kur kas detalesni. Usas'o meninės komandos patirtis matoma; jis daug prisideda prie kyberpunk estetikos su mažais scenų dekoravimais, tokiais kaip šviesų instaliacija ant transformatoriaus, holografiniai ekranai įprastų automobilių prietaisų skydeliuose arba raudonai filtruoti, Terminatoriaus stiliaus saugumo kamerų rodmenys. O vaikino galutiniai regėjimai, kuriuos užplūsta plūduriuojantis, spalvotas vaisius, turi laisvą psichodelinę maniją. Būdamas patrauklus, filmas leidžia mums sklandžiai pereiti per jį, tarsi būdami hipnotizuoti. Paskutiniai žudikai bus prieinami skaitmeninėse platformose nuo liepos 6 dienos.

2026-06-30 03:00

"Naujausia mūsų rašytojų serija, skirta jų mėgstamiausiems komforto filmams, pristato komediją, kurią verta žiūrėti daugybę kartų. Yra momentas „Žemės dienoje“, kuris iš tiesų pakeitė mano gyvenimą: tai scena, kurioje, pastebėjęs, kad Andie MacDowell įžengė į vakarėlį, kurį jis linksmina energingu boogie-woogie solo, meteorologas Phil Connors gestu nutraukia grupę, nusimeta akinius ir pereina prie sielos pripildyto Rachmaninoffo „Rapsodijos Paganini tema“ atlikimo. Ar Bill Murray kada nors atrodė taip šauniai filme, anksčiau ar vėliau? Ar kas nors? Atvirai kalbant, man prireikė šiek tiek laiko, kad pasireikštų mano meilė šiam kulminaciniam momentui (daugiau apie tai netrukus), tačiau „Žemės dienoje“ yra daug dalykų, kuriuos verta mylėti, net iki Connors atpirkimo istorijos. Murray, žinoma, demonstruoja visą savo komedijos diapazoną, pereidamas nuo irzlaus ciniko iki nepataisomo hedonisto ir galiausiai iki apšviesto altruisto, ir kažkaip sugeba išlaikyti mūsų simpatijas viso šio sudėtingo kelio metu. Stephen Tobolowsky suvaidino Nedą Ryersoną („Adatos nosis Ned! Ned Galva!“) taip, kad galėtų pavogti bet kurį kitą filmą, o MacDowell niekada nebuvo suvaidinti tokio žavingo personažo kaip Rita, Philo be galo kantri prodiuserė. Tačiau iš tiesų visas Punxsutawney miestelis turėtų gauti geriausio antraplanio aktoriaus nominaciją: tai toks vieta, kur galėtum įsivaizduoti, kad atsisakai ir kiekvieną rytą valgai blynus kavinėje, kur visi žino tavo vardą. Philui tai gali nepatikti: man tai patinka vis labiau kiekvieną kartą žiūrint. „Žemės diena“ taip pat yra pirmasis (ir vis dar geriausias) filmo žanro pavyzdys, kuris ir toliau yra nepaprastai žiūrimas ir be galo perkuriamas. Ji nesukūrė idėjos apie personažą, kuris nuolat kartoja tą pačią dieną – „Doubled and Redoubled“, trumpas pasakojimas, kuriame nelaimingas tarnautojas be galo kartoja tą pačią nuostabią dieną, kol jis ją aktyviai nekenčia, buvo paskelbtas 1940-aisiais, o „Star Trek: TNG“ 1992 m. turėjo laiko priežasties kilpos epizodą – tačiau ji tobulino formatą, nustatydama struktūrinius ritmus, kuriuos seka beveik kiekvienas vėlesnis filmas. Pirmiausia ateina sumišimas ir naujumas: nesupratimas ar netikėjimas tuo, kas vyksta, bandymas daryti akivaizdžius dalykus, tada stebėjimas, ką gali sau leisti. Lėtai kyla neviltis, nes niekas neveikia, o herojus imasi vis drastiškesnių priemonių. Galiausiai ateina meistriškumas, kai mūsų herojus išmoksta lengvai naršyti nuolat kartojančiuose įvykiuose, nesvarbu, ar tai reiškia išvengti atakos sraigtasparnio (Frank Grillo „Boss Level“), kataloguoti kasdienio grožio akimirkas (The Map of Tiny Perfect Things), ar suteikti kam nors Heimlicho manevrą ir išmokti visų miestelio keistenybes (Murray). Paprastai yra priežastis, kodėl dalykai vyksta: kartais herojus turi išmokti kvantinę fiziką arba išspręsti savo nužudymą, kad pabėgtų iš kilpos. Tačiau „Žemės diena“ protingai atsisako bet kokių paaiškinimų – nepaisant to, kad buvo parašyta scena, kurioje paaiškinama, kad Philas buvo prakeiktas nepatenkinta buvusia mergina, režisierius Haroldas Ramis ir scenaristas Danny Rubin sugebėjo įtikinti studijos vadovus, kad kilpa atrodys įdomesnė, jei ji niekada nebus paaiškinta, ir taip ir liko. Ar Philas galiausiai pabėgo, nes išsivadavo iš budizmo Samsaros ciklo – begalinio mirties ir atgimimo proceso, kurį skatina troškimas, neviltis ir žemiški potraukiai – ar todėl, kad įtikino ką nors jį mylėti? Ar jis pasiekė maksimalų gerumą, ar tiesiog priėmė savo likimą? Ar Dievas gailėjo jo, ar tiesiog nusibodo? Galite pateikti bet kurį iš šių paaiškinimų, o kitą kartą peržiūrėdami pasirinkti kitą. Tačiau yra dar viena priežastis, kodėl myliu „Žemės dieną“, ir ją geria

2026-06-29 21:02

"Komanda tikisi, kad 30 valandų medžiagos, saugomos trijose šalyse, pakaks, kad atgaivintų filmo kūrėjo viziją. Praėjus daugiau nei 70 metų po to, kai Orsonas Wellesas nufilmavo pirmuosius kadrus, jo ambicingas projektas, skirtas Don Kichotui, gali pagaliau būti užbaigtas, dėka Europos filmų archyvų konsorciumo. Oja Kodar, amerikiečio filmų kūrėjo partnerė ir bendradarbė, palaikė projektą, kurį vykdo archyvai Prancūzijoje, Ispanijoje ir Italijoje, kartu su Miuncheno filmų muziejumi, siekiant sukurti nuoseklų filmą iš 30 valandų medžiagos, išsibarsčiusios tarp šių šalių. Welleso perdirbimas klasikinio Miguelio de Cervanteso romano prasidėjo 1957 metais kaip televizijos filmas, kurį rėmė Frankas Sinatra, tačiau planas žlugo. Po to Wellesas dirbo prie šio projekto beveik iki savo mirties 1985 metais, filmuodamas scenas Meksikoje, Italijoje ir Ispanijoje, kai tik rasdavo rėmėją. Komanda, atsakinga už filmo rekonstrukciją, vadovaujama Welleso autoriteto Esteve Riambau, turi daug darbo. Pirmiausia, Cineteca Nazionale Romoje turi numatyti 50 000 metrų (164 000 pėdų) neigiamos medžiagos, kad papildytų 50 000 metrų 16mm ir 35mm filmo, laikomo Ispanijoje, ir 80 minučių 35mm medžiagos Prancūzijoje. „Mes neturime pilno scenarijaus, bet pakankamai, kad galėtume jį rekonstrukcijuoti“, - sakė Riambau. „Pusė medžiagos yra neigiamos formos Romoje, kurią reikia atspausdinti, kol galėsime ją pamatyti.“ Kadangi scenos buvo filmuojamos trijose šalyse nuo 1956 iki 1976 metų, projektą reikia vertinti kaip besivystantį kūrinį, pridūrė jis. „Būtų stebėtina atrasti, kad kiekviena scena buvo nufilmuota, bet manau, kad medžiagos pakanka. Sunku pasakyti, ko [Wellesas] norėjo galutinai, nes scenarijuje yra alternatyvių scenų, bet dirbsime su tuo, ką turime. „Mes nesukursime nieko naujo ar nenaudosime specialių efektų spragoms užpildyti. Mes nedirbame su hipotezėmis. Idėja yra parodyti originalą, kiek tai įmanoma, tačiau tai panašu į mozaiką, kurioje trūksta dalių.“ Pirmą kartą paskelbtas 1605 metais, Cervanteso romanas pasakoja Don Kichoto istoriją, mažo nobilo, kuris patiria nuotykius, gyvendamas fantazijų gyvenimą kaip riteris, lydimas savo padėjėjo Sancho Panzos. Tai laikoma pirmuoju moderniu romanu. Filmas nėra ištikima Cervanteso kūrinio versija. „Yra keletas atidarymo scenų, kurios yra ištikimos knygai, bet yra ir tokių, kurios, švelniai tariant, yra patobulintos“, - sakė Riambau. „Pavyzdžiui, scenoje su lėlių teatru romane, kur Don Kichotas mano, kad herojė yra pavojuje, ir išsitraukia kardą, kad nukirstų galvas, filme tai vyksta kine Meksikoje, kur jis puola ekraną, kad išgelbėtų heroję.“ Dauguma medžiagos yra juodai balta, nors kai kurios scenos buvo filmuojamos spalvotai Andalūzijoje. Garso takelis taip pat nebaigtas, tačiau, kur jis egzistuoja, Don Kichoto ir Sancho Panzos vaidmenis įgarsino pats Wellesas. Wellesas kartu rašė, prodiusavo, režisavo ir vaidino savo pirmame filme „Pilietis Keinas“ (1941), kuris iki šiol dažnai užima pirmąsias vietas geriausių visų laikų filmų reitinguose. Jis taip pat režisavo daugybę kitų kino ir teatro produkcijų, įskaitant „Blogio prisilietimas“ (1958), ir vaidino filmuose, tokiuose kaip „Trečiasis žmogus“ (1949) ir „Žmogus visoms sezonams“ (1966). „Man Wellesas yra daug daugiau nei filmų kūrėjas, jis labiau primena Michelangelo“, - sakė Riambau, kuris neabejoja, kad Don Kichotas bus reikšmingas papildymas jau dideliam Welleso kūrybos palikimui. Wellesas šį projektą vadino savo bambino (vaiku) ir parašė kelias scenarijaus versijas, kas rodo, kad jis nebuvo tikras, kaip jį užbaigti. Kiek laiko jo įpėdiniams prireiks jį užbaigti, yra atviras klausimas. Riambau sakė, kad Wellesas ju

2026-06-29 15:01

Mažos biudžeto siaubo filmas remiasi tinfoil-hat paranoja, kad sukurtų gana efektyvų įtampą. Pasiruoškite kelionei, kuri bus nerami ir su nevienoda kokybe, tačiau pasieks savo tikslą su tam tikru stiliumi. Juodoji dėžė: Skrydis 298 yra siaubo-sci-fi-trileris, kuris daugiausia vyksta skrydyje, tariamai vykstančiame iš Naujųjų Orleanų į Sietlą, nors akivaizdu, kad jis buvo filmuotas studijoje, kurioje gausu žaliųjų ekranų, kad būtų galima sukurti keletą pigesnių vizualinių efektų antroje dalyje. Tačiau prieš tai, kai režisierius Stevenas Quale ir scenaristas Stephenas Susco atskleis monstrą, atsakingą už visą chaosą, jie sukuria gana gerą įtampos jausmą, užsimindami apie paranoją ir baimę, kurią daugelis jaučia skrisdami. Atidarymo tekstas grėsmingai teigia, kad lėktuvų praradimo ryšio su žemės kontrole rodikliai yra daug didesni nei pripažįsta JAV Federalinė aviacijos administracija, kas iš tikrųjų nesukelia didelio nerimo žiūrovams, kurie neserga aerofobija. Tačiau tai tik pradžia pasakojimo, kuris remiasi tinfoil-hat paranojinėmis sąmokslo teorijomis – yra personažas, kuris apvynioja galvą aliuminio folija, kad apsaugotų save nuo atmosferos radiacijos – taip pat bendresne baime dėl keistų dalykų, kurie sukelia triukšmą stratosferoje. Iš ansamblio aktorių Tom Brittney išsiskiria kaip Jeremy, vyras su liūdnai atrodančia veido išraiška, kuris pradeda įtarti, kad kažkas rimtai negerai, kai dangus pradeda demonstruoti šviesų šou visomis spalvomis. Jis galiausiai susijungia su protinga skrydžių palydove Emma (Holly White), oro maršalu Lauren (Boadicea Ricketts) ir mažąja Chloe (Molly Belle Wright), kai didelis blogis pasirodo, ir jie slepiasi krovinių skyriuje su daug labai išsigandusių šunų. Linksmi momentai atsiranda, kai nemalonus pirmos klasės keleivis (Danny Mac, kaip ir daugelis kitų aktorių, iš tikrųjų britas, stengiantis kalbėti amerikietiškai) yra sužeistas ir susiduria su kitais nepatogiais būdais. Juodoji dėžė: Skrydis 298 yra prieinama skaitmeninėse platformose nuo liepos 6 dienos.

2026-06-29 09:01

Šiame 1986 metų John Woo trilerių apie kerštą ir lojalumą gausu įspūdingų šaudynių ir net plačios komedijos. Filmo pavadinimas „Geriau rytoj“ yra paimtas iš 1985 metų Taivano labdaros singlo, išleisto Vakarų „Live Aid“ dvasia ir tapusio didžiuliu panaziniu hitu. Vienoje scenoje jį jautriai atlieka chorų grupė mielų mokinukų; jų nekaltumas, žinoma, kontrastuoja su krauju apipiltomis blogiukų figūromis, tačiau taip pat atskleidžia kai kurių šių nusikaltėlių troškimą išpirkti save: „Tegul mūsų šypsenos atskleidžia mūsų jaunystės pasididžiavimą / Tegul laukiame geresnio rytojaus.“ Galbūt, praėjus 40 metų, dabar galime aiškiau suprasti, kodėl John Woo filmai yra tokie priklausomybę sukeliantys. Ne tik dėl plačiai aptarinėjamų, imituojamų „balletic“ šaudymo sekų, bet ir dėl intensyvaus, nesigėdijančio melodramatiškumo ir sentimentalių akimirkų. Šeima yra viskas, tačiau tai nereiškia, kad reikia palaikyti nusikaltėlių šeimas. Honkongo veiksmo žvaigždė ir Shaw Brothers veteranas Ti Lung vaidina Ho, gangsterį, dirbantį triadų sindikate, kuris klastoja JAV dolerius, naudodamas moderniausias technologijas, ir vėliau juos parduoda užsienyje. Chow Yun-fat vaidina jo geriausią draugą Marką (jo gaujos „brolį“), ir kartu šie pasitikintys savimi „protingi vaikinai“ turi labai gerą reikalą, nors juos erzina ambicingas, saldus jaunuolis triadas vardu Shing (Waise Lee), kuris nuolat juos giria. Tačiau Ho turi baisią paslaptį: jo mylimas jaunesnysis brolis Kit (Leslie Cheung) yra naujokas policijos akademijoje – ir toli gražu nepasididžiuodamas šiuo galimu informatoriumi, Ho kankinasi dėl kaltės ir jo sergantis tėvas reikalauja, kad jis atsisakytų nusikaltėlių karjeros, kad neįžeistų jauno Kito. Kai sandoris Taivane nepavyksta, Ho yra nuteistas trejiems metams kalėjimo. Markas patiria nuolatinį sužalojimą, kai kulka pataiko jam į koją, po to, kai atkeršija klastingiems blogiukams, kurie juos apgavo. Ir kai Ho pagaliau išeina iš kalėjimo ir grįžta į Honkongą, jis randa Marką, kuris tapo elgeta, gėdingai dirbančiu Shingui, kuris dabar yra pasitikintis savimi viršūnėje. Atgauti savo garbę kaip sąžiningam žmogui Ho turės susidurti su savo nusikaltėlių „broliu“ Marku ir tikruoju broliu Kitu; viso brolinės lojalumo koncepcija yra filmo širdyje. Pats Woo turi epizodinį vaidmenį kaip Taivano policininkas, pasiryžęs suimti gaują. Čia yra keletas įspūdingų šaudynių extravaganzų. Galbūt tik Woo galėtų reikalauti, kad šaudynės vyktų to, kas atrodo kaip degalinė prie dokų, kur be to yra dideli dyzelino būgnai. Tačiau Woo taip pat mėgsta plačias emocijas, plačius vaidinimus ir labai plačią komediją. Kai Kito miela draugė Jackie (Emily Chu) vėluoja į savo violončelės audiciją prieš griežtą muzikos mokyklos egzaminuotojų komisiją, Kit prisijungia prie jos, kad pagreitintų procesą – ir chaotiškame, nepatogiuose susidūrimuose, vertuose Laurel ir Hardy, Jackie violončelės dėklas atsitrenkia į nėščią egzaminuotoją. „Geriau rytoj“ nėra subtilus filmas, tačiau jis yra intensyvus, įtaigus ir bėga kaip traukinys. „Geriau rytoj“ bus rodomas JK kino teatruose nuo birželio 26 dienos.

2026-06-29 03:00

Foster vaidina psichoanalitikę, kuri įtaria, kad jos klientė galbūt nesusidegino pati, ir nusprendžia pradėti tyrimą kartu su buvusiu vyru Danieliu Auteuil. Rebecca Zlotowski pristato malonų, absurdišką psichologinį mįslės nuotykį: istoriją apie amerikiečių psichoanalitikę Paryžiuje, kurią elegantiškai vaidina Jodie Foster prancūzų kalba, įtariančią, kad pacientė, apie kurią pranešta, jog nusižudė, iš tikrųjų buvo nužudyta. Zlotowski galbūt įkvėpta Hitchcocko ar De Palmos, arba net vėlyvojo Woody Alleno – arba gal ji, kaip ir daugelis iš mūsų, buvo sužavėta komedijos „Only Murders in the Building“ ir norėjo perkelti jos atmosferą į Paryžių, šiek tiek pakeisdama nuotaiką į rimtesnę. Foster vaidina elegantišką psichoanalitikę Lilian Steiner, kuri sukrėsta žinių, kad jos klientė Paula Cohen-Solal (Virginie Efira) nusižudė. Ji taip pat susiduria su Paula našliu Simonu (Mathieu Amalric), kuris mano, kad ji turi tam tikrą atsakomybę už jos mirtį, nes paskyrė antidepresantus, kurie, kaip paaiškėjo, buvo vartojami perdozavus. Tačiau įtemptas vizitas iš Paulos dukters Valérie (Luàna Bajrami) priverčia ją įtarti, kad galėjo būti padaryta nusikaltimas. Greitai ji ir jos tolerantiškas buvęs vyras Gabrielis (Daniel Auteuil) pradeda stebėti žmones ir apskritai juos sekdami; tuomet kažkas įsilaužia į Lilian privatų kabinetą ir pavagia minidiskus, kuriuose ji įrašo analizės sesijas. Viskas tampa dar keisčiau: Lilian, stresuota ir gerdama, apsilanko pas pigų hipnoterapeutą (Sophie Guillemin), kuris grąžina ją į tam tikrą praeities gyvenimo sapno būseną, kur ji ir Paula buvo mylimosios, grojančios styginių sekcijoje Paryžiaus orkestre nacių okupacijos metu, o vienas iš Hitlerio milicijos narių yra jos išsiskyręs sūnus Julienas (Vincent Lacoste). Huh? Lilian psichoanalitikas, beje, pasirodo kaip cameo ikoniškas dokumentininkas Frederickas Wisemanas, ir jis supykdo ją, užduodamas skausmingą klausimą apie Lilian motiną – siužeto taškas, kuris nėra toliau nagrinėjamas ir galėjo būti prarastas montuojant. Bet koks yra šių keistų nacių orkestro scenų su Simono dirigavimu, kur jo lazda paverčiama revolveriu, tikslas? Jos yra įspūdingos ir juokingos (galbūt rodo 40-ųjų filmų, tokių kaip „Nightmare Alley“ ar „The Seventh Veil“, įtaką). Ar jos atskleidžia Lilian susirūpinimą antisemitizmu? Ji tikrai prieštarauja hipnoterapeuto, kuris juokauja apie Freidą, išankstinei nuomonei. Jos buvęs vyras yra oftalmologas, kuris gydė ją dėl ašarų latakų problemų; vėlgi, tai gali reikšti kažką apie Lilian problemas su užuojauta, arba gal tai tiesiog pretekstas šiek tiek linksmam komedijai, stiliui, kurį Foster puikiai perteikia, nors ir nėra natūraliai juokinga. „Vie Privée“ juda link šiek tiek kvailokos, šiek tiek antiklimaksinės pabaigos, ir žiūrovai galėjo tikėtis didesnio ir įspūdingesnio posūkio. Vis dėlto Foster natūrali charizma tai parduoda. „Privatus gyvenimas“ buvo rodomas Kanų kino festivalyje ir bus rodoma JK ir Airijos kino teatruose nuo birželio 26 d.

2026-06-28 21:02

Vengrijos imigrantų šeima susiduria su opoziciniu deficito sutrikimu Sophy Romvari intymioje ir neperkrautoje debiutinėje juostoje. Praeitis susipina su dabartimi šioje puikioje debiutinėje juostoje, kurią sukūrė Kanados režisierė Sophy Romvari. Po antro peržiūros karto, kai pirmą kartą ją pamačiau praėjusių metų Lokarno kino festivalyje, ji man pasirodė dar įspūdingesnė. Tai autobiografinis, iš tikrųjų autofikcinis filmas, įkvėptas tam tikro ramumo, atsisakymo didinti realaus gyvenimo dramą ir tragediją. Filmas nesistengia sukurti skausmo Holivudo stiliumi, bet beveik intymiai pasakoja jį žiūrovui, švelniai ir tyliai. Niūrus ir skausmingas, sudėtingas, bet neperkrautas, Mėlynoji gervė yra pastatyta metatekstualiai dviem lygiais, kurie drąsiai susijungia į labai įspūdingą finalinį kino smūgį, tačiau Romvari rafinuotumas nesumažina filmo emocinio poveikio. Pagrindinė tema yra jos pačios vaikystė ir santykiai su giliai sužeistu vyresniuoju broliu; ši tema išplėtota iš jos apdovanojimus pelniusio 2020 metų trumpametražio filmo „Still Processing“, kurio egzistavimas dabar natūraliai įsilieja į šią naują kūrybą. 1990-ųjų viduryje maža mergaitė vardu Saša (Eylul Guven), apie 7 ar 8 metų, gyvena su dviem broliais ir vyresniuoju pusbroliu Jeremy (Edik Beddoes) Vankuverio saloje. Jie ką tik persikėlė į naujus namus, po to, kai ilgą laiką nuolat keitė gyvenamąją vietą dėl priežasčių, kurias netrukus sužinosime. Jų mama ir tėtis, kuriuos vaidina Iringó Réti ir Ádám Tompa, yra vengrai ir pereina prie gimtosios kalbos, kai nenori, kad vaikai žinotų, apie ką kalba. Emociškai visi jie yra ant ribos. Jeremy yra giliai sužeistas, turintis elgesio sutrikimą, kurį vienas vaikų psichiatras identifikuoja kaip opozicinį deficito sutrikimą, tai reiškia, kad jis atsisako bendradarbiauti su vis labiau désperatiškais tėvų prašymais. Jis elgiasi destruktyviai ir pavojingai, grasindamas padegti namus, ir dažnai grįžta namo policijos sulaikytas. Dėl to šeimos disfunkcija yra insidensiškai genderizuota; Saša yra sukrėsta Jeremy elgesio taip, kaip jos broliai ne. Jų mama pyksta, kad ji turi būti „blogasis policininkas“. Ji yra ta, kuri turi drausminti Jeremy ir bendrai su juo susidoroti, kol jos vyras pasitraukia į savo darbą, ir ji galbūt jaučia nepasitenkinimą nesakomu prielaidą, kad Jeremy yra jos našta, nes jis yra jos sūnus iš ankstesnių santykių. Kas sukėlė Jeremy būklę? Tai yra painus, neišsprendžiamas mįslas, kuris žaloja Sašą kaip vaiką, o dar labiau kaip suaugusį – filmo kūrėją, kurią atlieka Niujorko rašytoja ir komikė Amy Zimmer. Ji matoma filmuojanti pusiau fikcinį socialinių darbuotojų panelę, diskutuojančią apie Jeremy kaip šaltą bylą. Koks yra Jeremy sutrikimo prasmė? Ar prasminga svarstyti apie jo priežastį, ar turėtume labiau koncentruotis į tai, ką Jeremy sukėlė kitiems? Edik Beddoes jį vaidina su neraminančiu, pasipūtusiu šypsniu; ar tai slepia gilią baimę ir nelaimę? Arba tai visai nieko neslepia? Kas yra taip skausminga Sašai, ir tikriausiai pačiai filmo kūrėjai, yra tai, kad ji turi derinti savo jausmus dėl skausmo ir net pykčio dėl Jeremy, kuris sukėlė šį ilgalaikį nelaimingumą – ir atvirkščiai, jos skausmą ir pyktį jo vardu, dėl visuomenės ir socialinių paslaugų, kurios nesuteikė pakankamos paramos, ir visatos, kuri staiga, be jokios aiškios priežasties, apdovanojo jį ir visą šeimą šiuo siaubingu traumu. Tai protingas, vertingas kino kūrinys. Mėlynoji gervė bus rodomas JK ir Airijos kino teatruose nuo birželio 26 dienos.

2026-06-28 15:02

"Kodėl siaubo filmai vieniems žiūrovams suteikia jaudulio, o kitus verčia bėgti? Mūsų rašytojas nagrinėja savo baimę šiam žanrui – su Freudo, klinikinių tyrėjų ir savo šešerių metų aš pagalba. Aš esu šešerių metų ir žiūriu, kaip vyras virsta vilkolakiu. Filmas yra 'Abbott and Costello Meet Frankenstein', 1948 metų komedija. Aš žiūriu į mūsų juodai baltą televizorių, susižavėjęs vilkolakio transformacija, vykstančia sulėtintai, ir pradėjau šaukti taip, kad mano tėvai turėjo mane nešti į viršų, kad nuramintų. Ta ta naktis tapo mano viso gyvenimo baimės dėl siaubo filmų, antgamtinių dalykų, tamsos ir vienatvės namuose pradžia. Dabar esu psichiatras, ir jau daug metų mane neramina klausimas: kodėl siaubo filmai yra tokie populiarūs (ir pelningi), kai man asmeniškai jie yra tokie traumuojantys? Šiandien simuliuoto siaubo paklausa niekada nebuvo didesnė. Nors kino teatrai stengiasi atgauti priešpandeminius žiūrovus, o komedijos ir dramų premjeros vis dažniau persikelia į srautinį transliavimą, siaubo žanras išgyvena priešingą tendenciją: 2023 metais jis uždirbo maždaug 70% daugiau Šiaurės Amerikos kino kasose nei prieš dešimtmetį. Kodėl tas pats keistas transformavimas vienam vaikui sukelia džiaugsmą, o kitam – dešimtmečius trukusią baimę tamsai? (Nesijaučiu vienas. 90-ųjų pabaigoje atliktuose tyrimuose vienas iš keturių JAV bakalauro studentų pranešė apie ilgalaikes baimes, susijusias su vaikystėje matytu siaubo filmu.) Yra klinikinis terminas, kuris gali apibūdinti tai, kas galėjo nutikti man: kinematografinė neurozė. Tai apibūdina reakciją į filmą, kuri yra tokia intensyvi ir ilgaamžė, kad atitinka potrauminio streso sutrikimo (PTSD) kriterijus – nuolatinis sujaudinimas, nerimas, prisiminimai, kurie nuolat grįžta. Paprastai PTSD yra priskiriamas smurto ar katastrofų išgyvenusiems žmonėms. 1948 metų 'Abbott and Costello' komedija, popieriuje, nėra tokia. Tačiau diagnozė leidžia įtraukti įprastus įvykius, kurie vis dėlto patiriami kaip katastrofiški – ir pasirodo, kad filmo žiūrėjimas gali atitikti šiuos kriterijus. Vienas iš labiausiai įsimintinų atvejų, kuriuos žinau, buvo aprašytas 2007 metais. Moteris, žinoma tik kaip ponia X, paauglystėje žiūrėjo 'Egzorcistą'. 22 metų ji atvyko į skubios pagalbos skyrių, įsitikinusi, kad yra apsėsta, skęsdama prisiminimuose apie filmą, kurį matė prieš daugelį metų. Jos atvejis buvo ekstremalus, ir dalinai paaiškintas psichinės sveikatos problemomis, kurios egzistavo prieš filmą. Aš niekada nesu patyręs jos simptomų. Tačiau atpažįstu tą patirtį, nes jos tylus variantas paveikė mane nuo šešerių. Norint suprasti, kodėl filmas gali taip paveikti žmogų, naudinga suprasti, kodėl beveik visiems kitiems tai neturi tokio poveikio. Visada pasakojome sau baisias istorijas, nuo graikų mitologijos Minotauro iki Beowulfo Grendelio, nuo viduramžių vampyrų pasakų iki Edgaro Allano Poe. Freudas, mano mėgstamas šios srities gidas, teigė, kad galingiausios iš jų paliečia specifinę baimę, kurią jis pavadino neįprastu – vokiškai, unheimlich – kas pažodžiui verčiama kaip ne-namų, reiškianti keistą dalyką, turintį pažįstamą veidą. Jo turtingiausias pavyzdys yra dvyniai: du būtybės, kurios atrodo vienodos, tačiau mes žinome, kad jos nėra. Mus gąsdina ne žinojimas, kad monstrai egzistuoja, bet baimė, kad monstras dalijasi mūsų adresu. Galite suprasti, kodėl kino teatrai pastaruoju metu taip trokšta neįprasto. Du siaubo filmai, šiuo metu populiarūs kino kasose, 'Backrooms' ir 'Obsession' – abu sukurti buvusių YouTube kūrėjų iš Z kartos – būtent tuo ir prekiauja. 'Backrooms' palieka jus pasiklydusį begaliniame tuščiame parduotuvės rūsyje, ištuštėjusiame nuo