Kino naujienos

2026-05-20 15:01

Mandagus dokumentinis filmas apie Bertrand Piccard ir Brian Jones, kurie varžėsi su gerokai turtingesniais konkurentais Richardu Bransonu ir Steve'u Fossettu lenktynėse aplink pasaulį. Čia pateikiama išsami pirmojo nenutrūkstamo skrydžio aplink pasaulį su karšto oro balionu, įvykusio 1999 metais, apžvalga. Pilotai nebuvo vieni; varžybos aplink pasaulį buvo 90-ųjų metų milijardierių kosmoso lenktynių atitikmuo, kuriose taip pat dalyvavo magnatai Richardas Bransonas ir Steve'as Fossettas. Galbūt būtų buvę įdomiau pasakoti tą istoriją, tačiau dokumentinio filmo kūrėjas Johnas Doweris koncentruojasi į sėkmingą Šveicarijos tyrinėtojo Bertrand Piccard ir anglų Brian Jones skrydį, kurie įvykdė savo rekordą pasiekdami 25 000 mylių kelionę su Breitling Orbiter 3. Tai buvo Piccard trečiasis bandymas. Pirmasis baigėsi katastrofa, kai Piccardas vos po kelių valandų nuleido savo balioną Viduržemio jūroje: „Jaučiausi visiškai gėdingai“, - prisimena jis. Jis neturėjo tokių gilių kišenių kaip Bransonas ar Fossettas, tačiau buvo gimęs iš išradėjų ir tyrinėtojų šeimos; 1931 metais jo senelis tapo pirmuoju žmogumi, pasiekusiu stratosferą, su vandenilio balionu. Piccardas yra charizmatiškas ir motyvuotas, o filmas sukasi aplink jo ego klausimą. Jis pripažįsta, kad vienas kolega jį apkaltino diva. Visi čia apklausti asmenys elgiasi gerai ir nėra linkę šnekėti apie vieni kitus ar savo konkurentus, todėl šis dokumentinis filmas yra nepaprastai mandagus. Įvykiai įgauna pagreitį, kai Piccardas sėkmingai skrenda trečią kartą su balionu 1999 metų kovo mėnesį kartu su bendrakeleiviu Brian Jones. Kelios mėnesiai prieš jų pakilimą, Bransono naujausias bandymas baigėsi nesėkme Ramiajame vandenyne netoli Havajų („vienas geriausių Kalėdų dovanų“, sako Piccardas). Breitling Orbiter 3 buvo ant ribos. Jie prarado palydovų ryšį su misijos kontrole dviem dienoms, o po šildymo sistemos gedimo kilo problemų su deguonies lygiu, Jonesas rado Piccardą sukniubusį prie savo stalo. Jų balionas galiausiai nusileido Egipto dykumoje po 19 dienų, 21 valandos ir 55 minučių. Tai įdomi istorija – nors galbūt tie, kurie dalyvavo, ją pasakojo tiek daug kartų per metus, kad prarado jaudulio jausmą; tai gali būti skirta tik aviacijos fanams. „Balionininkai“ bus rodomi JK ir Airijos kino teatruose nuo gegužės 22 dienos.

2026-05-20 09:01

Kano kino festivalis: Refn filmas išvengia apibrėžimo, judėdamas laiku ir erdvėje, nuo niūrios realybės iki keistų svajonių pasaulių, kuriuose gyvena pusiau Lyncho tipo personažai. Filmo pavadinimo pirmasis žodis greičiausiai turėtų būti „Jo“. Nicolas Winding Refn sugrįžo į Kanus su keista nauja fantazijos nuotaika, vidurnakčio filmu, kupinu baimės ir svajingo nerimo, kas tai iš tikrųjų reiškia? Filmo aplinka – tai 60-ųjų pulp šoko filmo, turinčio tokį patį pavadinimą, perdirbimas, kuris keičiasi iš vietos į vietą, svajonių logika, nuo tariamai realaus išorinio pasaulio iki haliucinacijų ir atminties vidinės erdvės. Viskas prasideda milžiniškame tuščiame viešbutyje (kurio kolosalūs Stygijos koridoriai primena Refn filmą „Only God Forgives“) viduryje skaitmeniniu būdu sukurtos distopinės miesto aplinkos, apgaubtos miglos, kuri dažnai slepia serijinį žudiką, o žmonės čia bijo kažko, kas vadinamas „Odinio žmogumi“. Mes pereiname į fiktyvų filmo veiksmą, kurį viešbučio gyventojai (galbūt) planuoja kurti, arba galbūt į jų baimių ir įsivaizdavimų pasaulį, jų idėjas, atsirandančias iš šios tariamai realistinės prielaidos. Tada keliaujame į praeitį, į JAV okupuotą pokarinę Japoniją, kur persekiojamas GI ieško savo dukters. Ši istorija kupina pusiau Lyncho tipo personažų ir gargojlių su keistais pravardėmis – visa įsivaizduojama aplinka, apšviesta Refn pulsuoju neoniniu purpuru, raudona ir mėlyna, atrodo kaip naktinis klubas pragarė. Tačiau ji yra mažiau smurtinė ir eksplicitiška nei ankstesni Refn nuotykiai. Tempas yra niūrus, sepulchralinis ir lėtas; kaip ir Refn TV serijoje „Too Old to Die Young“, jis juda zombio tempu, kuris buvo sužeistas, bet vis tiek juda į priekį. Arba galbūt tai labiau primena miegantį žmogų, kuris lėtai vaikšto ir kalba, bet turi aiškesnę idėją apie tai, kas vyksta, nei tie, kurie, labiau banaliu požiūriu, yra budrūs. Sophie Thatcher vaidina Elę, jauną moterį, kuri pasirodo šiame viešbutyje, nekenčiančią arogantiškos kitos moters, vardu Hunter (Kristine Froseth), buvimo. Ela turi įtemptą susitikimą su savo pamote Dominique (Havana Rose Liu), kuri turi romaną su klubo savininku Nico (Diego Calva); ji taip pat turi nemalonų pokalbį su savo tėvu arba tėvo figūra Johnny Thunders, kurį vaidina išvaizdą praradęs Dougray Scott, akivaizdžiai mėgaujantis sensualumu. Ir Charles Melton, kurio veidas yra rimtas, vaidina amerikiečių kareivį, ieškantį savo dingusios dukters, istorinis elementas, kylantis iš miglos. Viskas tai iš tikrųjų nesukelia šokiruojančio kraujo praliejimo, kurio gali tikėtis tie, kurie sekė Refn filmus. Seksualizuoto smurto ir pornografijos baimės banga atsitraukė, palikdama tai, ką manau, yra baisi, nepasakyta liūdesys; tai, kas lieka, kai skola malonumui ar priklausomybei buvo sumokėta. Jos asmeninis pragaras atsisako interpretacijos, kaip ir daugelis naujausių Refn filmų, tačiau vykdo lėtą dervišo sūkurį hipnotizuojančio keistumo. Jos asmeninis pragaras buvo rodomas Kano kino festivalyje.

2026-05-20 03:00

"Kano kino festivalis: Ispano naujausias gyvenimo ir meno auto-metafikcija šiek tiek paini, kai jis režisuoja režisierių, kuris režisuoja režisierių. Su savo turtingomis, šiltomis, vasariškomis spalvomis, nieko negalėtų būti mažiau rūstaus ar mažiau kalėdiško nei šis filmas. Tai naujausias Pedro Almodóvaro darbas, dalinai vykstantis Kalėdų laikotarpiu; pagrindinė moteris netgi skundžiasi kalėdiniu eismu. Tačiau čia nėra blizgučių, elnių ar dovanų pirkimo. Kaip ir „Die Hard“, šis filmas išvengia klasifikacijos. Tai dar viena Almodóvaro dviguba kūryba, tam tikra auto-metafikcija, kurią jis praktiškai išrado, gyvenimo ir meno dialektinis procesas, kurio jis akivaizdžiai negali atsisakyti. Kaip ir neseniai pasirodžiusioje „Pain and Glory“, „Rūstus Kalėdos“ yra atvirai asmeniškas filmas, sukasi aplink tokias temas kaip liūdesys, netektis, meno vampyrizmas ir išdavystė, susijusi su fiktyvių personažų kūrimu remiantis tikrais žmonėmis. Galbūt, pabrėždamas šį paskutinį punktą, Almodóvar bando užkirsti kelią krizei savo gyvenime, parodydamas gėjų menininko perspektyvą dėl to, ar moterims pakankamai pripažįstama jų įtaka kaip įkvėpimo šaltiniui ar kaip menininkėms. Rezultatas – sudėtingas, šiek tiek painus, beveik surrealistinis modernistinis noir-melodrama arba atvira telenovela, kokią jis įprastai siūlo. Almodóvar visada alchemizuoja realybę ir nerealybę į kažką žiūrimo, nors galbūt jis jau peržengia senas temas. „Rūstus Kalėdos“ taip pat turi, kas tampa privaloma meno filmams – arogantišką anti-Netflix anekdotą, nors filmas kai kuriais aspektais primena srautinę televiziją. Viduryje 2000-ųjų, flip-top telefonų eroje, Elsa (Bárbara Lennie) yra kovojanti nepriklausoma kino kūrėja, dabar priversta filmuoti televizijos reklamą; jos jaunesnis vaikinas Bonifacio (Patrick Criado) yra ugniagesys ir dalinai šokėjas, kurį ji sutiko klube per mergvakarį, kai nuėjo į užkulisius pasiūlyti jam pagrindinį vaidmenį savo būsimame apatinių drabužių reklamoje. Elsa, o gal ir pats Almodóvar, nesijaudina dėl to, kad tai būtų sudėtinga, jei lyties vaidmenys būtų apversti. Elsa turi draugų, kurie kenčia nuo problemų: Patricia (Victoria Luengo) turi rūpintis mažuoju sūnumi, kol jos vyras yra verslo kelionėse, kur jis ją apgaudinėja, o Natalia (vaidina Milena Smit, iš Almodóvaro „Parallel Mothers“) yra giliai nusiminusi dėl savo jauno sūnaus netekties. O pati Elsa taip pat yra nusiminusi, kovoja su nauju autobiografiniu scenarijumi ir kenčia nuo psichosomatinių migrenų bei panikos priepuolių po savo motinos mirties. Po nesutarimų su Patricia, Elsa dalijasi atostogų vila Lanzarotėje su Natalia, kur jos meninė vizija ir santykiai su dingusiu Bonifacio pasiekia krizę. Tačiau visa tai įsivaizduojama šiuolaikiniame kontekste pilkų plaukų režisieriaus Raúl (Leonardo Sbaraglia), kuris dirba prie savo autobiografinio scenarijaus „Rūstus Kalėdos“; Elsa atrodo esanti jo versija, o jo vaikinas Santi (Quim Gutiérrez) aiškiai yra Bonifacio modelis. Tačiau visas filmo veiksmas atrodo projekuojamas iš sudėtingų santykių su jo drauge ir prodiusere Mónica (Aitana Sánchez-Gijón), kuri palieka jį sunkiu metu, kad trims mėnesiams būtų su savo drauge Elena, kurios sūnus yra desperatiškai sergantis. Mónica yra įsiutusi dėl Raúl, kad jis efektyviai fikcionalizuoja šią paskutinę situaciją savo scenarijuje, o šis pyktis atrodo beveik sapniškas savo nerealybe. Almodóvaro ikoniška repertuaro aktorė Rossy de Palma pasirodo kaip Elsa kita draugė Gabriela. Ir visa ši galva sukanti sudėtingumas, kaip dažnai Almodóvaro darbuose, yra įtvirtinta aistringu muzikiniu momentu: Meksikos dainininkė Chavela Vargas atlieka folk dainą apie Medea primenančią figūrą La Llorona, arba Raudančią Moterį. Galbūt mes artėjame prie Raúl kaip menininko ir draugo tiesos epifan

2026-05-19 21:03

"Kano kino festivalis: Didžiojo Rusijos režisieriaus pirmasis filmas per beveik dešimtmetį yra nuostabi drama, sekanti mini-oligarcho, kuris sugalvoja toksišką naują būdą maitinti Rusijos karo mašiną, neteisybes. Andrey Zvyagintsevo filme nagrinėjama gyvenimo tema karo metu. Veiksmas vyksta provincinėje Rusijoje, kur vaizduojama tauta, paralyžiuota nusivylimo ir baimės, lėtai susitaikanti su siaubinga klaida Ukrainoje arba pasitraukianti į kolektyvinę neigimą. Tai įkvėptas Claude Chabrol „La Femme Infidèle“ variacijos, sumaišytos su Gogolio „Mirusiomis sielomis“ ir 14 aukų, reikalingų Minotaurui graikų mitologijoje. Tai taip pat noir trileris apie neištikimybę ir kerštingą žmogžudystę, kuriame naują prasmę suteikia mirtinas cinizmas ir politinė bloga valia, pasaulis, kuriame galingi žmonės, apimti savęs neapykantos, padarė nusikaltimų slėpimą savo gyvenimo būdu. Yra įsimintina ankstyva scena, kurioje pagrindinis vyrų veikėjas, mini-oligarchas verslininkas Gleb (Dmitriy Mazurov), išeina į brangų restoraną su savo grubiais plutokratų draugais ir jų žmonomis bei merginomis, tarp kurių yra ir Gleb'o elegantiška, graži žmona Galina (Iris Lebedeva), kuri beveik katatoninė dėl nelaimės. Viena mergina pasakoja nešvankų anekdotą apie vaikiną, kuris nori gauti darbą suaugusiųjų filme, nors turi mažą penį, skirtingai nei visi kiti gerai aprūpinti kandidatai – nes, kaip jis sako, „visi filmai turi antiherojus“. „Minotauras“ yra pilnas antiherojų. Gleb ir Galina gyvena mieste toli nuo Maskvos, kur ant automobilių priekinio stiklo ir ant traukiniu gabenamų tankų matomas Z raidė, gražioje modernistinėje dachoje uždarame miško komplekse su Gleb'o mama ir jų paaugliu sūnumi. Gleb akivaizdžiai kažkada buvo sužalojęs Galinos širdį dėl savo neištikimybės ir dabar įtaria, kad ji taip pat apgaudinėja. Tačiau Gleb turi skubesnių rūpesčių. Jis ir visi kiti verslo lyderiai be išlygų kviečiami į susitikimą su meru (kurio kabinete yra Putino nuotrauka) ir informuojami, kad Maskvai reikia daugiau vyrų karo tarnybai, tačiau nenorima atimti žmonių, reikalingų vietos ekonomikai. Taigi kiekviena įmonė turės pateikti pavardes išmetamų vyrų darbuotojų, kurie vėliau gaus baisius šaukimus. Kaip žemvaldys, atsikratantis savo baudžiauninkų ar sielų, Gleb apskaičiuoja, kad turi pasiūlyti 14 žmonių – tačiau tada jam kyla šaltas sumanymas. Jis liepia savo pervargusiam ir neapgaunamam asistentui tiesiog reklamuoti 14 sunkvežimių vairuotojų, viliojant juos oficialiuose sąrašuose su pažadu gauti iki dvigubai didesnį atlyginimą, puikiai žinodamas, kad šie vaikinai bus išsiųsti į karą dar prieš tai, kai Gleb turės sumokėti jų atlyginimus. Jis taip pat taiko šį planą dar vienu, dar labiau sielą darkančiu būdu, kai jam reikia spręsti savo žmonos neištikimybę, krizę, kuri sukelia filmo centrą, ilgą tylos seką. Čia Gleb parodo, kad, nors jis ir yra traumuotas šios visos situacijos, smurtas ir nusikaltimų slėpimas jam yra natūralūs. Įdomu, kad yra klasikinės toksiškos vyriškumo akimirka, kurią Zvyagintsevas parodo šeimos namuose. Gleb'o sūnus Seriozha prisipažįsta, kad mokykloje jį persekioja, ir Gleb natūraliai nesvarsto nieko tokio silpno ar liberalus kaip šios problemos sprendimas su mokytojais; jis sako sūnui, kad turi sugriebti savo persekiojantį už apykaklės ir grasinti jam sumušti veidą. Jei tai bus pasakyta su pakankamu įsitikinimu, sako jis, vien grasinimas bus pakankamas, ir priverčia sūnų praktikuoti judesį su juo. Iš pirmo žvilgsnio tai yra širdį verčiantis, nuodingas smurto mokymas, aiškiai tai, ko Gleb'o tėvas jį išmokė. Tačiau, kaip matysime, apykaklės sugriebimas yra bent jau sąžiningas, atviras ir akis į akį

2026-05-19 15:02

"Režisieriaus, sukūrusio Sorry to Bother You, drąsus ir nepaprastai juokingas naujas filmas, kuriame vaidina Keke Palmer, gali būti šiek tiek chaotiškas, kad paliktų didelį įspūdį. 2018 metais reperis ir aktyvistas Boots Riley debiutavo pilno metro filme Sorry To Bother You. Tai sarkastiška satyra apie rasinę ir ekonominę nelygybę, sekanti telemarketingo darbuotoją, kurį vaidina LaKeith Stanfield, kuris naudoja „baltą balsą“, kad pasisektų. Tačiau filme taip pat yra ir „arklių žmonių“. Man tai buvo ta akimirka, kai Sorry To Bother You pradėjo grėsti, kad gali prarasti savo žavesį, net ir absurdiškame mūsų pasaulio veidrodyje, kurį Riley naudoja kaip savo tribūną. Drąsus kūrėjas nesuteikia lengvų priežasčių mylėti jo provokuojančią agitpropą. Tai yra dalis jo patrauklumo. Jis kviečia mus pasipriešinti ir jam tai pavyksta, nes jis yra toks įtikinamas ir būtinas balsas. Viskas, ką galima pasakyti, Riley naujausias filmas I Love Boosters yra toks pat nepaprastai juokingas ir militantiškas, atsisakydamas būti mėgstamas tradiciniu būdu. Kai jau pradedi jaustis patogiai su jo viliojančia vagystės premisa, kurioje Robin Hoodo tipo vagys išlaisvina aukštąją madą iš purvinųjų turtingųjų rankų, Riley įneša demonų oralinį seksą arba marksistines idėjas, tokias kaip dialektinis materializmas, kurias jis iliustruoja rodydamas du žmones, besimylinčius be apsaugos. Gerai, šios hysterinės dalys yra gana virškinamos. Stengiuosi neatskleisti, kiek absurdiška ir paini situacija tampa vėliau, rizikuodamas atstumti ar nutolti, kaip tai padarė Riley filme Sorry To Bother You. Tačiau įžeidžiantys juokeliai ir nukrypimai visada atrodo motyvuoti ir organiški, susiję su filmo įkvepiančiomis politinėmis idėjomis ir kinematografiniu pasipriešinimu. Ir kas be būtų, kas juos daro painiais ar erzinančiais, taip pat užtikrina, kad nesame įtraukiami į complacency. Galime sakyti, kad I Love Boosters priima visus pasipriešinimus, net ir prieš save. Ir, žinoma, Riley nėra pirmas, kuris žaidžia šį žaidimą. Politinis trollingas yra labai Jean-Luc Godard stiliaus, kurį Riley šmaikščiai paminėjo I Love Boosters. Galbūt jis pripažįsta, kiek daug pasiskolinta iš Prancūzų naujosios bangos režisieriaus radikalaus šedevro Tout Va Bien. Tiesiog pakeiskite Tout Va Bien Paryžių į Bay Area aplinką I Love Boosters ir pakeiskite priešišką darbo streiką Prancūzijos dešrų fabrike į daugiapusišką tarptautinį sukilimą prieš mados industriją. Vagys, kuriuos veda Keke Palmer vaidinanti žavi Corvette, yra šio sukilimo dalis. Jie vykdo vagystes, grobdami dizainerių drabužius iš parduotuvių, viską, ką gali, talpindami į savo erdvius drabužius, kad vėliau galėtų parduoti. Pirmą kartą matome, kaip Corvette išneša tiek daug po savo rožinės pūkuotos kombinezono, kad ji atrodo kaip Teletubby, išlindusi iš parduotuvės. Corvette, Taylour Paige žaisminga Mariah ir Naomi Ackie stojiška Sade yra verslininkės, kurios savo projektą traktuoja kaip judėjimą. Jos kuria bendruomenę tarp kitų vagysčių ir dėkingų klientų. Mariah tai vadina „greitosios mados filantropija“. Jų operacija taip pat suartina juos su išnaudojamais parduotuvių darbuotojais ir Kinijos fabrikų darbininkais, kurie priešinasi Demi Moore sidabrinių plaukų Christie Smith, aukštosios mados vulture kapitalistei, kuri nežino jokių etinių ar fizinių ribų. Christie, kuri atrodo kaip labiau klastinga, mažiau įtakinga atsakymas į The Devil Wears Prada Mirandą Priestly, turi keletą kūrinių, kurie panašūs į tuos „arklių žmones“ iš Sorry To Bother You. Būtent Christie vadina neidentifikuotus vagis, plėšiančius jos parduotuves, „Velvet Gang“. Ji taip pat juos vadina „žemų klasių miesto kalėmis“. Corvette tiesiog džiaugiasi, kad Christine žino apie jų egzistavimą. Corvette idolizuoja Christie. Ji kadaise svajojo tapti tokia sėkminga dizainere, kol pradėjo vagišių karjerą, kaip greitą būdą pabėgti iš apleistos keptos vištienos vietos su Mariah. Jos maudosi ten

2026-05-19 09:01

Kano kino festivalis: Korėjos režisieriaus Na Hong-jin sukurtas filmas, kuriame derinami skaitmeniniai efektai su senosios mokyklos pramogų vertybėmis, siūlo linksmybes, kupinas bėgimo, gaudynių ir riksmo kovojant su piktai nusiteikusiais ateiviais. Veiksmas vyksta ramioje ir atokioje Pietų Korėjos pensininkų miestelyje Hope, esančiame šalia demilitarizuotos zonos (DMZ), kur žmonės, jau įpratę prie karo ir kraujo praliejimo galimybės, stebisi išgirdę apie fermos gyvūną, kurį nužudė ir sužalojo neidentifikuotas padaras – nors ne maistui. Išvargęs policijos viršininkas Beom-seok (Hwang Jung-min) atvyksta į apleistą lauką, kur guli keistai subraižytas gyvūno kūnas, ir keičiasi kandžiais komentarais su vietiniais medžiotojais, kurie siūlo savo teorijas apie tigrą, nors ir niūriai paklūsta jo pastaboms apie savo šautuvų teisėtumą. Tai svarbus momentas, kai nustebęs Beom-seok nuima savo aviacinius akinius, kad geriau apžiūrėtų gyvūno lavoną, ir daugiau jų nebeužsideda. Šiuo momentu jis atsisako savo profesinio šaltumo ir atitrūkimo, kad taptų kovotoju; didžioji filmo dalis yra apie tai, kaip jis ir kiti nepaprastai bėga, drąsiai šaukia į ateivį ir greitai vairuoja, dažnai atlikdami įspūdingus U-posūkius. Filmas greitai virsta chaotišku automobilių gaudynių ir kovų su ateiviais šou, kuris trumpam sustoja po nenutrūkstamo pirmos valandos skubėjimo, tačiau netrukus vėl prasideda. (Aš spėjau, kada per 160 minučių trukmės filmą pagaliau pamatysime monstrą, ir spėjimas buvo beveik teisingas.) Beom-seokui į pagalbą atskuba drąsi naujokė policininkė Sung-ae, kurią žaismingai įkūnija nauja K-megastar Jung Ho-yeon iš Netflix serialo „Squid Game“, ir vietinis ugningas vaikinas Sung-ki (Zo In-sung), kuris filmo pabaigoje turi kabėti iš greitai važiuojančio policijos automobilio galinės dalies su ginklu, drąsiai leisdamas padarui priartėti, kad galėtų jį pašauti, kol Sung-ae supranta, kad įsimylėjo jį – Sung-ki, o ne monstrą. Filmas išradingai atskleidžia, kad monstrams taip pat yra jausmų, o vietinių žmonių abejingas agresyvumas šiam egzistenciniam svetimkūniui galėjo sukelti visas problemas nuo pat pradžių – galbūt tai pamoka visiems DMZ ir už jos ribų. Nuomonės gali skirtis dėl trečiojo akto atskleidimo apie tai, kas slypi už šios monstriškos invazijos, kuri, atrodo, numato galimą franšizės tęsinį, ir dėl tam tikro deja vu jausmo, kaip atrodo monstras. Tačiau šiame filme siūloma aukščiausios kokybės pramoga, kuri tik dar labiau sustiprins pasaulio K-obsesiją. „Hope“ buvo parodytas Kano kino festivalyje.

2026-05-19 03:00

Kano kino festivalis: Palme laureatas čia padaro klaidą su keistu, neraminančiu filmu, kuris palieka per daug neišspręstų klausimų. Rumunų režisierius ir Palme laureatas Cristian Mungiu – laimėjęs čia 2007 m. su savo nuostabiu filmu „4 Mėnesiai, 3 Savaitės ir 2 Dienos“ – atvyksta į Kanus su antiklimatini, silpnu filmu, kuris, mano nuomone, gali būti keistos tendencijos dalis šių metų festivalyje, pastebimos ir Kantemir Balagov bei Ryusuke Hamaguchi filmuose: autorius kuria koprodukcinius filmus už savo gimtosios šalies ribų su dideliais užsienio žvaigždėmis, galbūt dėl kūrybinių pokalbių tarptautiniuose kino festivaliuose su gerbėjais iš viso pasaulio – ir praranda fokusą. Fjord yra keistas filmas, turintis Mungiu parašą, tikrai, su paslaptingais ilgais kadrais ir vengimu artimų planų, bei vienu labai išskirtiniu veidų gausumu vakarienės scenoje. Tačiau tariamas skausmas ir trauma, kuriuos perteikia istorija, nėra pateikiami su ta apdovanojančia sudėtingumo doze, su kuria mes jį siejame, ir be atskleidimo ar paslapties. Galiausiai filmas neįtikinamai atskleidžia ryškią tiesą apie įvairius santykius – tačiau taip pat neįdomiai nesulaiko jokios tokios tiesos nuo mūsų. Sebastian Stan vaidina rumuną Mihai, vedusį norvegę Lisbet (Renate Reinsve); jie priversti persikelti į gražų, atokų Lisbet gimtąjį kaimą, nes Mihai, kvalifikuotas programinės įrangos inžinierius, gali gauti IT darbą, o ten yra stipri bažnyčios bendruomenė, kuri labai traukia, nes Mihai ir Lisbet yra fundamentalistai konservatyvūs krikščionys, labai griežti. Juos šiltai pasitinka (nekrikščioniški) kaimynai, kurie yra mokyklos direktorius ir jo žmona. Filmas prasideda neraminančiu, dviprasmišku momentu: Mihai akivaizdžiai ką tik nubaudė savo paauglę dukrą, kuri dabar privalo jam suteikti atgailaujančią apkabinimą. Mokyklos personalas pastebi, kad vaikai turi randų ir mėlynių. Jie švelniai, bet akivaizdžiai klausiami ir (galbūt) apkaltina savo tėvus, nes jie nėra pakankamai įgudę jokioje kalboje, išskyrus rumunų. Galbūt kalbos problema taip pat prisideda prie katastrofiško pareiškimo, kurį Mihai pateikia policijai be advokato. Greitai vaikai paimami į laikinas globos sąlygas, kol bus surengtas posėdis ir baudžiamoji byla. Situaciją komplikuoja auganti baimė dėl kaimynų senyvo neįgalaus tėvo ir dėl Mihai ir Lisbet dukros artimo ryšio su kaimynų maištinga paaugle. Be abejo, Mungiu išradingai kviečia auditoriją simpatizuoti vaikams ir stoti prieš šį šaltą patriarchą – o vėliau beveik stoti su patriarchu prieš nuobodžiai pasipūtusius, arogantiškus sistemos pareigūnus, kurie yra prieš juos. Liberalus šališkumas prieš juos kaip krikščionis ar rumunus, galima sakyti, taip pat vaidina savo vaidmenį. Tačiau faktai atrodo neabejotini: Mihai pripažįsta, kad kartais muša ar duoda antausį vaikams – tai gana normalu tvirtoje Rumunijos visuomenėje. Bet ar tie mėlynės ir randai nerodo kažko blogesnio? Šis klausimas nebuvo išspręstas nei teisme, nei filme, o tada turime keistai inertinį ir įtampą neturintį finalą keltų terminale, kuris atskleidžia, kad ryšys tarp paauglių merginų Elia (Vanessa Ceban) ir Noora (Henrikke Lund-Olsen) yra dar viena tema, apie kurią filmas nepakankamai papasakojo. Mungiu technika visada bus įdomi, tačiau tai yra nusivylimas. Fjord buvo rodomas Kano kino festivalyje.

2026-05-18 21:03

Kano kino festivalis: Vyras išsigandęs pabunda Seydoux kūne šiame metempsichotiniame paslapčių filme apie lyties tapatybę. Arthur Harari filmas yra paremtas jo ir brolio Lukaso parašyta grafine novela „David Zimmerman atvejis“. Tai tamsus, miglotas ir intriguojantis antgamtinis noir paslaptingas filmas, beveik nematomas savo pačios keistumo tamsiame toksiškame debesyje, kuriame gyvena žmonės su varginančiomis kančios ir baimės išraiškomis. Yra tikrai keistų ir neraminančių akimirkų. Galbūt tai yra alegorija apie lyties tapatybės krizę – arba tiesiog tapatybę, ir kiekvieno kartais patiriamą gilią, nesuderinamą nežinomybę apie savo kūnus. Taip pat jaučiamas Blow-Up nuotaika, arba Basil Dearden britų siaubo filme „Žmogus, kuris persekiojo save“, arba David Robert Mitchell šiuolaikiniame klasike „Tai seka“. Tačiau šis filmas, deja, turi amžiną problemą, kaip užbaigti istoriją su puikia prielaida. Niels Schneider vaidina Davidą Zimmermaną, fotografą, kuris, būdamas trisdešimties, dokumentuoja, kaip jo gimtasis miestas pasikeitė per pastarąjį šimtmetį – projektą, paveldėtą iš jo fotografo tėvo. (Jis turi seną nuotrauką, kurioje abu sėdi ant šaligatvio, akivaizdžiai imituodami Chapliną ir Vaiką.) Davidas yra pervargęs, neprižiūrėtas ir nusiminęs, tačiau galiausiai sutinka dalyvauti triukšmingame Naujųjų metų vakarėlyje, kur jį sužavi moteris, kurią vaidina Léa Seydoux, ir kurią jis prieš kelis mėnesius nufotografavo. Ji, matyt, vadinama Eivai, siekianti aktorės, turėjusi laikinas maitinimo paslaugas jubiliejaus vakarėlyje, kur Davidas fotografavo. Ji supykusi paliko darbą po to, kai buvo išrėkta už tai, kad numetė stiklinę, ir, sužavėtas jos nuotaikingo pasipriešinimo, Davidas apleido savo oficialias pareigas, kad ją nufotografuotų, kai ji pasitraukė. Jie mylisi neįtikėtinai purvinoje rūsyje, o kitą rytą Davidas pabunda Eivos kūne. Jis išsigandęs ir sužavėtas moteriška anatomija (nors komiškesniame filme galėtų būti scenų, kur Davidas/Eiva susiduria su naujais iššūkiais, pavyzdžiui, kaip užsisegti liemenėlę). Būdamas beveik paralyžiuotas siaubo dėl šios pabudimo košmaro, jis randa būdą patekti į Eivos butą (kur, svarbu, ant sienos kabo Bob Dylan nuotrauka), ir tada jis ieško savo paties vaikščiojančio, kalbančio vyriško kūno, kurį jis mano, kad dabar užima Eivos sąmonė. Tačiau tai nėra taip paprasta. Prieš jų susitikimą, Eivą buvo užvaldęs piktas įsibrovėlis, o jos tikroji sąmonė jau seniai buvo atmesta, o įsibrovėlis, užvaldęs Davidą sekso akto metu, vėliau mylėjosi su kita moterimi, Malia (Lilith Grasmug), kurios sąmonė dabar yra įkalinta David kūne. Sukčiai aplinkui kuria metempsichotinių ryšių grandinę, dėl kurios vyriška sąmonė atsiduria nėščios moters kūne. Tai tikrai labai keista. Ne-Eiva ir ne-David susiduria su giliai keistu iššūkiu: ar jie galėtų kažkaip iš dalies ištaisyti šią situaciją, mylėdamiesi, kas galėtų atkurti Davidą į jo tikrą kūną ir bent jau suteikti trečiai moteriai tikrą moterišką formą? Galiausiai, pasiklydę fiziopsichologinių veidrodžių dykumoje, mūsų neramūs herojai leidžia suprasti, kad jie (ir mes) beveik išnaudojome naratyvinį kelią. Seydoux, su tamsiais ratilais po akimis, dabar beveik katatoniška, žvelgė į tą bedugnę, kuri, Nietzsche žodžiais, žiūrėjo atgal beveik dvi valandas. Tai tikrai neraminanti ir paini patirtis. „Nežinomas“ buvo rodomas Kano kino festivalyje.

2026-05-18 15:02

"Dabar, kai tikrasis gyvenimas pasivijo mokslinę fantastiką, artimiausia grėsmė nėra sugedę kaubojai, o robotai, kurie įtikina mus, kad esame nuostabūs ir viskas yra visiškai gerai. Geriausi mokslinės fantastikos filmai galiausiai būna aplenkiami realybės. Steveno Spielbergo \"Mažumos ataskaita\" numatė personalizuotą reklamą ir biometrinę identifikaciją. Spike'o Jonze'o \"Ji\" teisingai spėjo, kad AI greičiausiai pasirodys kaip emocijas atspindintys skaitmeniniai palydovai, skambantys kaip Scarlett Johansson, o ne kaip žudikiški robotai. \"RoboCop\" įsivaizdavo militarizuotą teisėsaugą Amerikos gatvėse dar prieš tai, kai Pentagono vadovybė nusprendė įsitraukti į veiksmą. Ar \"Westworld\" gali tapti naujausia mokslinės fantastikos franšize, kuri pasivijo ateitį? Šią savaitę \"Deadline\" pranešė, kad Warner Bros ruošia naują filmą, paremtą Michaelio Crichtono 1973 metų filmu apie turtingus adrenalino ieškotojus, keliaujančius į technologiškai pažangią pramogų parką, kur smurtas, fantazija ir be pasekmių iškrypimas yra kasdienybė. Rašytoju bus David Koepp. Pranešama, kad filmas aplenks naujausią televizijos atnaujinimą, kurį sukūrė Jonathan Nolan ir Lisa Joy, veikusį keturias sezonas nuo 2016 iki 2022 metų. Ar aš vienas manau, kad tai gali būti puikus laikas? AI amžiuje, kuriame žmonės vis labiau linkę rinktis dirbtines patirtis, \"Westworld\" staiga atrodo daug įdomesnis nei bet kurioje iš ankstesnių versijų. Šį kartą kurortas gali save reklamuoti kaip pirmąją pasaulyje vietą, kur jūsų skaitmeninis partneris gali gauti fizinį kūną, pritraukdamas milijonus vienišų žmonių, kurie trejus metus rašė žinutes chatbotui, pavadintam Dakota-7. Puikus dalykas apie \"Westworld 3.0\" yra tas, kad režisierius, kuris galiausiai filmuos šį projektą – \"Deadline\" praneša, kad „didysis kino kūrėjas“ jau sukasi aplink, o internete jau įsitikinama, kad tai reiškia Steveną Spielbergą – galbūt net nereikės gilintis į seną robotų sukilimo įrankių rinkinį. 2026 metais AI technologijų keliamas siaubas yra daug baisesnis nei galimybė, kad sugedęs Yul Brynner sekios jus per suklastotą pasienio miestą. Iš tiesų, dabar tikrai neraminanti galimybė yra ta, kad meilės robotai gali veikti tiksliai taip, kaip numatyta. Kodėl turėtume rūpintis prasmingais žmogiškais santykiais, kai yra begaliniai kantrūs, be galo dėmesingi ir algoritmiškai sukurti mašininiai meilužiai, pasiruošę priversti jus jaustis kaip įdomiausią žmogų visatoje? Košmariška situacija nebėra ta, kad robotai pabėgs iš parko – tai, kad nė vienas žmogus iš tikrųjų nenori išeiti. Tikroji dramatiška įtampa šioje naujoje \"Westworld\" versijoje gali atsirasti, kai mašinos supras, kad jos uždirba daugiau pinigų, kai jų svečiai yra laimingesni, ir pradės subtiliai manipuliuoti realybe, kad maksimaliai padidintų emocinį pasitenkinimą. Įsivaizduokite išskirtinį, ultra-prabangų pasienio rajoną, kur kiekvienas pilietis mano, kad jūsų scenarijus skamba žadantis, o pianistas atvirai verkia dėl jūsų poezijos. Arba galbūt parko vadovai nustos kurti vis didesnes prabangos patirtis, kuriose kiekvienas patrauklus nepažįstamas žmogus atrodo tikrai sužavėtas jūsų vinilo kolekcija, ir tiesiog pradės redaguoti žmones. Bet kuriuo atveju, Crichtono senstantis technoparabelis apie sintetinę fantaziją ir žmogiškąjį narcisizmą staiga atrodo tapęs šiuolaikiškiausia mokslinės fantastikos franšize. \"Terminatorius\" bijojo, kad robotai mus išnaikins, \"Avataras\" įsivaizdavo, kad žmonija pabėgs į virtualius kūnus, o \"Alien\" įspėjo apie godžias korporacijas, traukiančias kosmines baimes atgal į Žemę. Tačiau tik \"Westworld\" turi potencialą numatyti, kad galutinė AI amžiaus fantazija gali būti galimybė praleisti likusią mūsų gyvenimo dalį, kai gražus robotų rančos darbuotojas mums sako, kad esame tikrai, tikrai ypatingi, milijardo dolerių pr

2026-05-18 09:01

"Jo nepaprastas filmas apie Aušvicą laimėjo visus įmanomus apdovanojimus. Dabar vengrų režisierius grįžta su nauju draminu „Orphan“ ir Jean Moulin biografija Kanuose. Jis kalba apie atgimstantį globalų išankstinį nusistatymą – ir atsisako būti pamokomas filmų industrijos „viršūnės“. Praėjo mažiau nei penkios minutės, kai pastebiu svastiką. Ji yra virš László Nemes, vieno iš labiausiai pripažintų Europos režisierių, galvos, kai jis sėdi Londono viešbučio apartamentuose ir kalba apie „Orphan“, savo intensyviai asmeninį naują filmą, kuris nagrinėja, be kita ko, Holokausto poveikį vėlesnėms kartoms. Tai senovinė, hinduistinė svastika, esanti dekoratyvinėje sienų puošyboje – bet vis tiek. Aš esu pusėje klausimo, kai ją pastebiu. Nemes juokiasi; žinoma, jis tai iš karto pamatė. „Norėjau tai jums parodyti,“ sako jis. „Tai taip juokinga. Prieš palikdamas šią kambarį, padarysiu nuotraukų.“ Tiesa, jis yra matęs ir blogiau. „Kai buvau San Sebastiano kino festivalyje su „Saulės sūnumi“, jie mane įdėjo į Mel Gibsono kambarį.“ „Saulės sūnus“ buvo filmas, kuris pradėjo Nemes karjerą. Išleistas 2015 m., tai buvo jo pirmasis pilnametražis filmas, nepaprastas, neatsitraukiantis tyrimas apie pusantros dienos Sonderkommando, vieno iš Aušvico-Birkenau vergų, priverstų atlikti niūriausią įmanomą užduotį: išvalyti dujų kamerų lavonus, sudėti kūnus į krosnis, kad būtų sudeginti. „Saulės sūnus“ drąsiai žvelgė į Šoa bedugnę ir greitai buvo pripažintas vienu didžiausių filmų apie Holokaustą. Jis laimėjo visus įmanomus apdovanojimus, įskaitant Oskarą už geriausią užsienio kalbos filmą. „Orphan“ yra tik antras filmas, kurį Nemes, dabar 49 metų, sukūrė per 11 metų, praėjusių nuo „Saulės sūnaus“ (nors trečiasis filmas, „Moulin“, apie paskutines Prancūzijos pasipriešinimo lyderio Jean Moulin dienas, šiandien debiutuos Kanuose). Natūralu, kad jis gavo pasiūlymų: jis galėjo būti „samdomas ginklas“, sako jis, bet: „Norėjau išlaikyti kontrolę. Norėjau būti režisierius, o ne, žinote, tiesiog kas nors, kas vykdo užduotį... Man sunku sakyti: „Taip, viršininke.“ Rezultatas, filme „Orphan“, yra filmas, kurį galėjo sukurti tik Nemes. Jis pasakoja jaudinančią Andoro, paauglio žydo, augančio Vengrijoje antrojo pasaulinio karo ir nesėkmingo 1956 m. sukilimo prieš Sovietų dominavimą, istoriją. Andoras išgyveno Holokaustą, būdamas paslėptas našlaičių namuose, tačiau mažiau aišku, kaip jo motina išgyveno. Tuo tarpu berniukas ilgisi savo dingusio tėvo, įsivaizduodamas jį kaip karo didvyrį, kuris bet kurią dieną sugrįš. Vietoj to pasirodo brutalus, grubus vyras – tikras mėsininkas – pasiruošęs užimti tėvo vaidmenį. Lėtai mes sudedame kartu kompromisus, kuriuos padarė jo motina, ir kieno vaikas iš tikrųjų yra berniukas. Tai neraminanti, įtraukianti tėvų ir sūnų istorija, susidurianti su – prisiimant – tomis mūsų dalimis, kurios labiausiai atstumia. Ir tai yra Nemes istorija. Paaiškėja, kad tai, kas nutiko Andorui, beveik tiksliai nutiko ir Nemes tėvui Andrašui. Andrašas, sako Nemes, buvo berniukas, kuris svajojo, kad jis yra vieno vyro sūnus, tik kad turėjo „susidoroti su piktu tėvu, kuris sugrįžo“. Andrašui dabar 81 metai, jis yra teatro ir kino režisierius Vengrijoje, kuris vis dar turi „šiek tiek abejonių savo galvoje“ dėl savo tikrojo tėvo tapatybės. Pats Nemes nori būti laisvas nuo tokių iliuzijų. Jis užaugo žinodamas, daugiausia iš savo močiutės, kad praeitis buvo „pilna šešėlių ir traumų“. „Orphan“ yra iš dalies jo bandymas kovoti