Kino naujienos

2026-05-15 15:02

Bond Place ir Desmond Crescent buvo pavadinti 007 franšizės garbei, nes 90-aisiais netoliese buvo filmuojamos kelios scenos – kodėl sustoti? Jameso Bondo gerbėjai pastaraisiais metais patyrė nemažai sunkumų. Nuo tada, kai No Time to Die užbaigė Danielio Craigo pasirodymą, mes esame keistoje limbo būsenoje. Galiausiai pasirodys naujas Jameso Bondo filmas, kurį režisuos Denis Villeneuve, pats įdomiausias režisierius franšizės istorijoje. Tačiau mes nežinome, kada jis pasirodys, kas vaidins Bondą, ar 007 po Amazon bus atpažįstamas. Apibendrinant, mums reikia kažko apčiuopiamo, kas padėtų nuraminti mūsų nerimą. Mums reikia susirinkti daiktus ir vykti į šiaurinį Swindoną, buvusios Motorola gamyklos vietą, kur naujame gyvenamajame kvartale gatvės pavadintos Jameso Bondo vardu. BBC praneša, kad Taylor Wimpey Robin Gardens projekte gatvės pavadintos artimais franšizės veikėjais. Be Bond Place, yra ir Desmond Crescent bei Llewelyn Road, pavadintos legendinio aktoriaus, vaidinusio Q, garbei. BBC taip pat praneša, kad yra užuomina į Pierce Brosnan, nors pagrindinis akcentas atrodo esantis Dench Close, kuris labiau primena įspėjimą nei gyvenamąją adresą, bet nieko tokio. Kodėl Swindonas? Galbūt todėl, kad Ian Fleming yra palaidotas netoliese, Šv. Jono parapijos bažnyčioje, Sevenhampton, arba todėl, kad jis rašė Quantum of Solace vos už 10 minučių kelio nuo miesto centro. Bet ne. Tai todėl, kad prieš 25 metus Motorola pastato išorė filme The World is Not Enough buvo pristatyta kaip Turkijos naftos perdirbimo gamykla. Iš vienos pusės, tai labai miela – kas žino, gal naujasis kvartalas išgyvens Bondą, ir tai taps žaviu vietiniu folkloru, be to, Swindonui tikrai prireiktų šiek tiek daugiau žavesio – bet ar to pakanka? Ar visa gyvenvietė pavadinta dėl to, kad vietos ieškotojas nusprendė, jog telefonų gamykla pakankamai panaši į naftos perdirbimo gamyklą, kad apgautų kino žiūrovus? Realistiškai, bet kuris skaičius vietų gali turėti panašų šlovės teiginį. The World is Not Enough buvo filmuotas visame pasaulyje, įskaitant Chamonix, Bahamus ir Chatham Dockyard. Galbūt visos jos taip pat nusipelno Dench Close. Ir nepamirškite, tai tik vienas Bond filmas. Ankstesnis, Tomorrow Never Dies, buvo filmuotas Feltham ir Surrey Quays bei Brent Cross prekybos centro daugiaaukštėje automobilių stovėjimo aikštelėje. Po to sekęs Die Another Day buvo filmuotas Eden Project ir Beyond Retro parduotuvėje Stoke Newington Road. Iš tikrųjų, jei grįšite iki 1985 metų A View to a Kill, galite pastebėti, kad Zorin požeminė sandėliavimo patalpa iš tikrųjų yra Renault paskirstymo centras, taip, Swindone. Jei kur nors šalia šių vietų bus vystomas kvartalas, jis turi lygiai tiek pat teisės būti pavadintas Jameso Bondo vardu. Laimei, A View to a Kill atveju, Dench Close negalėjo būti, nes Dame Judi Dench prisijungė prie serijos tik po dešimtmečio. Tačiau jis galėtų pasigirti Moore Street ir Walken Way – gal net Grace Jones Boulevard – kas skamba gana gražiai. Vienintelis galimas ginčas būtų dėl Desmondo Llewelyn, kuris buvo Q abiejuose Swindon'e filmuotuose 007 epizoduose. Bet tikrai negalima pakankamai gatvių pavadinti Desmondo Llewelyn vardu. Iš tikrųjų, galbūt tai yra sprendimas būsto krizei. Robin Gardens projektas buvo taip šiltai priimtas, kad dabar yra geras argumentas surasti kiekvieną nuobodų įkūrimo kadrą visoje Bond franšizėje ir ten pastatyti naują kvartalą. Tankų gaudynių sekvencija iš GoldenEye, filmuota Peterborough. Šanchajaus baseino scena iš Skyfall, filmuota Virgin Active Canary Wharf. Klimaktinė krovinių lėktuvo scena iš Die Another Day, filmuota apleistame Kento oro uoste, kuris pastaruoju metu buvo naudojamas kaip po-Brexit perteklių sunkvežimių aikštelė. Visi šie galėtų tapti namais žmonėms, kurie šiek tiek per daug mėgsta Jamesą Bondą. Kol pagaliau pasirodys kitas Bond filmas, tai yra geriausias būdas išlaikyti ugnį gyvą. Galų gale, kas labiau atitinka Bondo dvasią: gatvė Swindone, pavadinta Judi Dench vardu, ar tas baisus Jameso Bondo žaidimų šou, kurį Amazon sukūrė prieš trejus metus?

2026-05-15 09:01

"Iš pradžių tai buvo tik baisi nuotrauka internete. Dabar tai yra šių metų baisiausias filmas. Jo 20-metis autorius Kane Parsons ir aktoriai Chiwetel Ejiofor bei Renate Reinsve mus veda per siaubingą labirintą. Chiwetel Ejiofor yra buvęs daugelyje filmų aikštelių, tačiau „Backrooms“ buvo kažkas visiškai kitokio: 30 000 kvadratinių pėdų labirintas, sudarytas iš atrodytų atsitiktinių koridorių ir kambarių, visi apklijuoti kilimais, apšviesti fluorescencinėmis lempomis ir dekoruoti ta pačia ligota geltona tapetų spalva. Ejiofor sako, kad jis buvo toks didelis, jog žmonės joje pasiklysdavo: „Ypač pirmosiomis dienomis. Bandydamas rasti kelią, galvoji: 'Esu tikras, kad tai šios durys, esu tikras, kad tai tas kelias.'“ Jis juokiasi prisimindamas: „Ir staiga atsiduri netinkamame studijos kampe ir galvoji: 'Man reikia pagalbos!'“ Tai yra „Backrooms“ esmė – tiek filmo, tiek internetinio fenomeno, kuris jį sukūrė. Tai koncepcija, kurią reikia išsiaiškinti, tačiau kaip A24 siaubo filmo premisa, ją galima apibendrinti kaip „Blair Witch Project“ susitinka su „Severance“ arba „Švytėjimas“ begaliniame „Travelodge“ arba galbūt „visiškai priešinga Wes Anderson filmui“. Palyginimai ne visai tinka, nes „Backrooms“ koncepcija atrodo tarsi atėjusi iš kito pasaulio – net iš paralelinės dimensijos. Ejiofor sutinka: „Buvo dalykų, kuriuos mes darėme filmo pabaigoje, ir aš galvojau: 'Tai yra vienas keisčiausių dalykų, kuriuose aš kada nors dalyvavau.'“ Galbūt net baisiau už „Backrooms“ koncepciją yra tai, kad jos kūrėjas yra tik 20 metų. Kalifornijos režisierius Kane Parsons anksčiau nebuvo sukūręs pilno ilgio filmo. Kaip ir dauguma Z kartos atstovų, jis net nebuvo daug lankęsis kine: „Tai buvo kažkas, kam anksčiau niekada nesukau pakankamai laiko,“ sako Parsons, pusiau atsiprašydamas vaizdo pokalbio metu iš Los Andželo. „Augant su YouTube, atrodo, kad reikalavimai išeiti į kiną yra mažesni.“ Ar Parsons yra kino pabaiga, ar jo ateitis, dar reikia pamatyti. Asmeniškai jis nėra nei drovus, nei nepatogus, nei pasitikintis savimi, jis labiau rimtas, susikaupęs ir labai kalbus – „atsiprašau, aš mėgstu plepėti,“ jis sako vienu momentu. Jis taip pat nėra naujokas: Parsons filmus kuria nuo mažens ir yra sukūręs kelis šimtus jų. Jis iš tikrųjų daugiau laiko praleidžia kurdamas turinį nei jį vartodamas, sako jis. Vis dėlto, žengti į tą didžiulę aikštelę ir režisuoti patyrusius komandos narius bei aktorius, kurie yra du kartus vyresni už jį, tokius kaip Ejiofor, Renate Reinsve ir Mark Duplass, yra patirtis, kurią dauguma naujokų laikytų gana gąsdinančia, jei ne visiškai baisia. „Aš tai pripažinau kaip didelį, potencialiai šokiruojantį žingsnį į priekį,“ Parsons pripažįsta dalykiškai. „Kaip: 'Šventasis dieve, aš esu kažkaip paspartintame kelyje, nes kažkoks šešėlinis valdovas nusprendė...‘ Neturiu idėjos, kaip visa tai išsivystė iki šios vietos. Bet aš buvau ten, ir žinojau, kad noriu sukurti filmą, ir žinojau, kaip kurti tai, ką darau internete. Ir manau, kad kalbant apie tikrą kūrybinę kryptį, žinant, ko reikia, tai yra ten.“ „Backrooms“ ir paties Parsonso kilmės istorijos yra susijusios. Viskas prasidėjo nuo vienos nuotraukos, padarytos 2003 metais, tačiau paskelbtos 2019 metų gegužę 4chan pranešimų lentoje, kviečiančioje vartotojus pateikti „neraminančias nuotraukas, kurios tiesiog jaučiasi 'ne taip'“. Ši konkreti nuotrauka, kurioje užfiksuota tuščia parduotuvės erdvė Oshkoše, Viskonsine – fluorescencinis apšvietimas, pakabinti lubos, tas niūrus geltonas tapetas – kažkaip palietė jausmus ir įgavo savo gyvenimą vaisingose „creepypasta“ – virusinio internetinio siaubo turinio – srityse. Žmonės pradėjo rašyti istorijas, remdamiesi ja, išplė

2026-05-15 03:00

Kano kino festivalis: Irano autorius Asgharas Farhadi grįžta į Prancūziją su šiuo intriguojančiu vidutinio svorio meta-drama, kurioje pasirodo Catherine Deneuve. Asgharas Farhadi yra Irano režisierius, kurio kūrybos stilius visada buvo paveiktas aukštųjų Europos įtakų, tokių kaip Antonioni ir Haneke. Jis iš tikrųjų sukūrė du filmus Europoje: 'Praeitis' Prancūzijoje ir 'Visi žino' Ispanijoje. Dabar jis grįžta į Prancūziją ir prancūzų kalbą su šia linksmąja, vidutinio svorio meta-drama apie išdavystę ir tariamą ryšį tarp voyeurizmo ir kūrybiškumo: ar rašytojai šnipinėja savo sukurtus personažus? Tai yra variacija tema, panaši į Kieślowskio 'Trumpas filmas apie meilę', su Hitchcocko 'Užpakaliniais langais' elementais, atkakliai mezganti voratinklius iš savęs. Rezultatas yra sudėtingas, išsamus, nors šiek tiek miglotas. Isabelle Huppert vaidina Sylviją, niūrią ir nykstančią rašytoją, gyvenančią vieną chaotiškoje skurdžioje savo netvarkingoje Paryžiaus bute, rašančią romanus, kurių niekas nenori skaityti, ant savo Olivetti elektrinės rašomųjų mašinų. Čia nėra modernių nešiojamųjų kompiuterių. Jos naujausias kūrinys įkvėptas šnipinėjimo per teleskopą į žmones, gyvenančius priešingame bute: Nicolas (Vincent Cassel), kuris valdo garso efektų gamybos įmonę, kartu su Nita (Virginie Efira) ir Théo (Pierre Niney); Nicolas dirba su skaitmeniniu miksavimo pultu, Nita ir Théo kuria lo-fi garsus, tokius kaip žingsniai ir šnarėjimas, kol filmas tyliai rodomas prieš juos. Sylvija taip pat kuria autobiografinę istoriją apie tai (arba įsivaizduojamą fikciją), kad jos tėvas kadaise naudojo šį teleskopą šiuose pačiuose apartamentuose, kad šnipinėtų jos motinos meilužį, kuris gyveno šalia Nicolas buto. Sylvija įsivaizduoja, kad šis meilužis yra senas vyras, kuris dabar ten mirė, palikdamas butą tuščią ir pažeidžiamą slapto įėjimo tiems, kurie nori jį naudoti šnipinėjimui. Sužavėta Nicolas, Théo ir Nita intymumu – ir akivaizdžiai greitai suprasdama, ką jie veikia, kas nėra lengva, tikrai, rašytojui, naudojančiam rašomąją mašiną – Sylvija sugalvoja jiems karštą pasakojimą apie slaptingą seksualinę aistrą ir trijų žmonių nužudymą, ir mes natūraliai matome, kaip ši paralelinė drama vystosi ekrane. Tačiau jos agentė, kurią vaidina Catherine Deneuve, nėra sužavėta ir supykdo Sylviją, palygindama tai su Georges Simenon. (Beje, Simenon galėjo pasakyti Asgharui Farhadi, kad jo filmas neturėtų trukti dvi valandas ir 20 minučių.) Tačiau tada likimas apverčia Sylvijos gyvenimą ir dramatiškai suteikia naują prasmę ir aktualumą jos rašymui. Jos susirūpinusi dukterėčia (India Hair) pasamdo žmogų, kad sutvarkytų butą, ir tai yra Adam (Adam Bessa) – buvęs kalinys, kuris pasirodė esąs tiesus, kai sugriebė jos rankinę iš kišenvagio, kuris ją pavogė metro. Adam iš karto užsikrečia pavojinga obsesija Sylvijos nauju romanu ir žmonėmis, kurie nežinodami jį įkvėpė. Jam pavyksta parodyti rankraštį Nitai, ir taip fikcija mirtinai užkrečia tikrą gyvenimą. Tai filmas, kuris užtrunka, kol pasiekia įtemptą dramatišką momentą, ir aš klausiu savęs, ar jo išsamumas yra dėl to, kad Farhadi ieško kažko daugiau nei aukšto lygio Simenon jaudulių. Tačiau tai intriguojantis filmas, atliktas su įsitikinimu, o tie garso efektai yra maistas apmąstymams: netikri dubliavimai, būtini realybei sukurti.

2026-05-14 21:02

"Kano kino festivalis: Hanns Zischler vaidina Thomas Manną jo 1949 metų kelionėje po Vokietiją, susiduriant su politiniais išpuoliais, asmenine tragedija ir savo dukra, kurią vaidina nepaprasta Hüller. Tai nepaprastai elegantiška, subalansuota istorinė scena, kurios trumpumas ir kontrolė sunkiai gali aprėpti jos personažų asmeninę ir istorinę skausmą. Filmą režisavo ir kartu rašė lenkų kino kūrėjas Paweł Pawlikowski, o nušvietė Lukasz Zal, jis pasakoja apie tremtį ir išdavystę, apie neįmanomybę sugrįžti namo ir menininko vaikų antrinę svarbą. Veiksmas vyksta 1949 metais, kai garsus vokiečių romanas ir Nobelio premijos laureatas Thomas Mann – pabėgęs nuo nacių į Kaliforniją ir įgijęs JAV pilietybę – sugrįžo namo, pirmiausia aplankydamas Frankfurtą (dabar Vakarų Vokietijoje), kad gautų apdovanojimą, pavadintą Goethe vardu, kurio gimtinė tai ir yra. Mannas, kurį su uždarumu vaidina Hanns Zischler, yra lydimas savo ilgai kentėjusios suaugusios dukros Erikos (Sandra Hüller); jis sulaukia entuziastingo pripažinimo ir, atsižvelgiant į jo svarbą, jam priskiriamas CIA atstovas. Tačiau jis suglumina ir sukelia gėdą savo šeimininkams, išsakydamas ketinimą priimti antrą apdovanojimą Weimare, kur Goethe iš tikrųjų gyveno, tačiau dabar jis yra komunistiniame Rytuose ir galbūt užterštas chaotiškos Weimaro respublikos, kuri atvedė nacių, asociacijomis. Mannas ten sulaukia komunistų pritarimo su tokiu pat diplomatiškai neaiškiu atstumu. Taip Mannas akivaizdžiai siekia atsiskirti nuo istorijos – ir, tikėtina, nuo to pokario Amerikos, su kuria jis vargu ar gali turėti mažiau bendro – persidengti Vakarų ir Rytų Europą, pasirodyti abiejose nugalėtojų zonose ir išvengti partizaninio politinio pasirinkimo šio sugrįžimo metu. Tačiau tuo metu Erika – Hüller vaidinama su įprastu intelektualumo dūriu – kenčia. Ji giliai pasiilgo savo mylimo brolio Klauso (August Diehl), kuris taip pat yra rašytojas amerikiečių tremtyje ir kenčia nuo depresijos bei narkotikų priklausomybės. (Filmas iš tikrųjų prasideda niūriu, prozos-poezijos duetų apie vienatvę tarp Erikos ir Klauso, kai jie kalbasi telefonu.) Vėliau, Thomas Mannui lankantis, jis ir Erika gauna baisią žinią apie Klausą – žinią, kurią Thomas niūriai ketina ignoruoti ir tęsti savo triumfą. Ir Klausas netikėtai užima centrą. Jo romanas „Mephisto“ pasakoja apie tuščiagarbį aktorių, kuris išduoda naciams – ir todėl jis buvo drąsesnis savo politiniame įsitraukime nei Thomas kada nors norėjo būti – ir buvo paremtas Erikos buvusio vyro, aktoriaus ir Göringo dvariškio Gustaf Gründgens (Joachim Meyerhoff), kuris drąsiai pasirodo Frankfurto vakarėlyje, kad švęstų Thomas su savimi gailestingai pasakojimu apie trumpą buvimą Sovietų kalėjime. Gründgens taip pat bando juokauti su Erika, kuri jam duoda antausį, tuo tarpu Thomas kitoje kambario pusėje sako Wagnerio aliejingiems anūkams, kad jis neturi ketinimų remti Bayreutho festivalio sugrįžimą ir sako, kad jo teatras turėtų būti sudegintas iki pamatų. Šis retas politinis temperamentas negali ištrinti to, kas taps augančia „Mephisto krize“ Thomas gyvenime. Tai ne tik tai, kad jis gali jausti, jog apleido Klausą, ar kad jo paties milžiniška prestižas neišvengiamai sumažino Klausą kaip rašytoją; tai, kad Klausas didysis kūrinys jam priekaištauja. Galėdamas laisvai judėti per geležinę uždangą, jis gali jausti, kad jis yra virš bet kokio Mephisto tipo išdavystės amerikiečiams ar sovietams, tačiau kur tada jo įsipareigojimas? Žinoma, Vokietijai, tačiau ta Vokietija, kuri buvo jo didybės šaknis (ir Goethe), jau nebeegzistuoja; Vokietija mirusi ir galbūt Mannas su savo amerikietišku pasu dabar yra vaiduoklis. Frankfurto spaudos konferencijoje Mannas yra apkaltintas vieno Vokietijos korespondento, kad jis nepasirinko kankinio „vidinės emigracijos“ kelio Vokietijoje – t.y

2026-05-14 15:01

Tim Allen, Joan Cusack ir Greta Lee prisijungia prie Hanks, kad atsakytų į jūsų klausimus apie artėjančią animaciją ir jos ankstesnes dalis. Ar šiais metais yra labiau laukiama filmas nei Toy Story 5? Daugeliui žmonių (su vaikais ir be jų) galite pamiršti Odisėjas, Minotaurus ir Pragarus, nes Woody, Buzz ir draugų sugrįžimas yra tai, kas iš tikrųjų yra kinas. Ši serija iki šiol uždirbo 3,3 mlrd. dolerių, o praėjusių metų anonsas sulaukė 142 mln. peržiūrų per 24 valandas – iš kurių 140 mln. buvo mano sūnaus nuolat atnaujinamos. Naujas filmas, kuris bus išleistas visame pasaulyje birželio 19 d., pasakoja apie Jessie Cowgirl (jos balsą įgarsina Joan Cusack), kuri vadovauja draugams aštuonmečio Bonnie kambaryje, o Buzz Lightyear (Tim Allen) yra jos antrasis pagalbininkas po to, kai Woody (Tom Hanks) paliko grupę Toy Story 4 pabaigoje, kad padėtų apleistiems žaislams rasti savo savininkus. Tačiau į miegamąjį įsiveržia užpuolikas: planšetė, vadinama Lilypad (Greta Lee), kurios draugiškas varliuko stilius slepia pavojingai priklausomą ir reikalaujančią mašiną. Susirūpinę dėl savo artėjančio nereikalingumo, taip pat dėl Lilypad poveikio Bonnie, žaislai vėl kreipiasi į Woody, kad išliktų aktualūs – ir išvarytų planšetę. Kiti naujokai šiame penktame filme apima kitus piktybinius technologinius prietaisus, tokius kaip tualeto treniruoklis Smarty Pants (Conan O’Brien), GPS hipopotamas, kurį įgarsina Craig Robinson, ir skaitmeninė kamera Snappy, taip pat technologijoms skeptiškas Dr Nutcase, drąsuolis, atrodantis kaip žemės riešutas. Visi pagrindiniai vardai grįžta šiame penktame filme, įskaitant kompozitorių Randy Newman, taip pat Hamm, Rex, Slinky Dog, Potato Heads, Bo Peep, Forky, Dolly, Mr Pricklepants ir Trixie – nors jos Toy Story That Time Forgot mylimasis Reptillus Maximus, atrodo, nebus filme. Taigi, prašome siųsti savo klausimus apie viską, kas susiję su Toy Story, vaikais, žaislais ir technologijomis Hanks, Allen, Cusack ir Lee iki pirmadienio, gegužės 18 d., 12 val. BST. Mes paskelbsime jų atsakymus birželio 12 d.

2026-05-14 09:01

"Johnas Lithgow vaidina homoseksualų ir dažnai nuogą septyniasdešimtmetį tėvą Colman personažui šioje šokiruojančioje istorijoje apie tarp kartų besiskiriančią queer kultūrą. Ji paaiškina, kodėl jos tėvas būtų „sėdėjęs ir verkęs visą filmą“. Filme „Jimpa“ Olivia Colman vaidina Hannah, moterį, kuri palieka Adelaidą su savo vyru ir 16 metų vaiku, kad aplankytų savo tėvą Amsterdame. Jimpa – tai žodis, kuris geriau įsimena, kai sužinai, kad jis yra Jim ir senelio derinys. Oro uoste paauglys Frances, kuris yra trans, praneša apie šokiruojančią naujieną: jie nori persikelti į Nyderlandus ir ten baigti mokslus. Hannah ir jos vyras Harry reaguoja apgalvotai, nesijaudindami. Tačiau atvykus į Amsterdamą, Jimpa, kurį vaidina Johnas Lithgow, atneša pakankamai dramų visiems – tai jis daro jau 40 metų, nuo tada, kai paliko savo šeimą, kad gyventų pilnavertį queer gyvenimą, kurio Australija pabaigoje XX amžiaus pasiūlyti negalėjo. Filmas džiaugiasi atskleisdamas tokį gyvenimo būdą, kuriuo jis mėgavosi. „Kai pirmą kartą sutikau Johną“, sako režisierė Sophie Hyde, „jis pasakė: 'Jimpa turi būti nuogas!' Jis buvo tikras dėl to.“ O Lithgow, dabar 80 metų, filme būtent toks ir yra – dažnai tik todėl, kad jam patinka pozuoti gyvam piešimui. Hannah yra filmų kūrėja, bandanti parduoti autobiografinės funkcijos idėją: o kas, jei 80-aisiais buvo du tėvai – tėvas prisipažįsta esantis homoseksualus, tačiau pora lieka laimingai kartu kaip platoniški bendro tėvystės partneriai, ir net kai tėvas palieka šalį, konfliktas nekyla? Matome ją Zoom skambučiuose, prodiuseriai klausia: „Kur, po velnių, čia yra drama?“, priešingai to, kas vyksta ekrane. Tai juokinga, giliai ir nesukeliant dėmesio. O kur gi ta drama visame šiame šeimos meilėje? Hyde svarsto šį klausimą. „Ar galime paprašyti savo personažų reaguoti su meile ir geranoriškumu, kai mūsų instinktas dažniausiai yra momentinis konfliktas? Kaip mes galime meilingai nesutikti vieni su kitais? Kaip mes galime neslėpti savęs ir vis tiek nesipykti? Manau, tai labai aktualus klausimas dabar.“ Tai viena iš priežasčių, kodėl filmas taip ilgai išlieka atmintyje, kad visi jo pagrindiniai klausimai – tarp kartų queer kultūra, šeimos nusivylimas, nuostabūs septyniasdešimtmečiai, kurie atsisako užaugti – yra dialoge su platesniu klausimu: ar pasaulis prarado gebėjimą susitaikyti, ar tiesiog polinkį? Colman kalba per vaizdo pokalbį iš LA, Hyde skambina iš Adelaidės. Šalia jos yra jos vaikas Aud Mason-Hyde, kuris filme vaidina Frances. „Aš praleidau savo 19-ąjį gimtadienį šioje aikštelėje“, sako jie, „turėdama netikrą ginčą su savo netikra mama, režisuojama mano tikros mamos, ir visos dinamikos, kai žiūri iš toli, verčia pagalvoti: 'Ką mes darome?'“ Tačiau jų personažas nėra identiškas Frances. „Aš esu gana atvira ir turinti nuomonę, o jie yra nuomonę turintys, bet daug labiau stebintys. Man reikėjo labai daug susilaikyti.“ Frances ir Jimpa turi intensyviai mylinčius santykius, tačiau yra daug nuolaidų, viskas juda viena kryptimi – iš jauno į seną. Šiuo atžvilgiu, sako Mason-Hyde, tai yra gana akivaizdu. „Labai padidintu būdu, būti jaunu trans žmogumi, nuolat prašoma nuvertinti savo poreikius ir norus, kad būtum priimtinas ir sutinkamas, kad būtum vienas iš lengvai su trans žmonėmis bendraujančių. Nepriklausomai nuo to, ar tai kalba, ar politiniai dalykai, ar neįprastumas. Kitų reakcijos į tave – jų jausmai ir tai, kaip jie juos išreiškia – gali būti gana neapykantos ar smurtinės, tačiau kažkaip jauniems trans žmonėms tenka atsakomybė visus nuraminti. Kas visiškai neturi prasmės.“ Colman taip pat rado filme aštrų paralelę, nes netrukus prieš filmavimo pradžią prarado savo tėvą. „Mano tėtis ir aš, realiame gyvenime, dažnai ginčijomės

2026-05-14 03:00

Kano kino festivalis: Léa Drucker demonstruoja puikų pasirodymą kaip talentinga chirurgė, kurios jau chaotišką gyvenimą dar labiau komplikuoja homoseksualus romanas su žurnaliste. Charline Bourgeois-Tacquet naujasis filmas yra intensyvi, kalbanti ir maloniai žaisminga komedija apie vidurio amžiaus emocinį sukrėtimą, nesukelianti jokių rimtų ar ilgalaikių rūpesčių dėl aistros ir širdgėlos, su kuriais ji trumpai susiduria. Tai taip pat filmas, kuris neleidžia savo herojams pasikeisti dėl gyvenimo teikiamų jaudulių ir nusivylimų. Léa Drucker puikiai atlieka pagrindinį vaidmenį; beveik kiekvienoje scenoje ją nutraukia skambutis į mobilųjį telefoną, ji meistriškai vaidina eidama ir kalbėdama telefonu gatvėje, atvykdama į biurą ar įlipdama ar išlipdama iš automobilio. Ji vaidina Gabrielle, talentingą chirurgę – kokių kitokių gi būna filmuose? – kuri specializuojasi žandikaulio rekonstrukcijoje. Gabrielle kovoja su biudžeto mažinimu, barasi su savo tingiais praktikantais, atlieka puikų darbą ir labai pasikliauja savo asistente Kamyar (Laurent Capelluto). Namuose ji turi sudėtingą santykį su savo partneriu Henri (Charles Berling), kurio paaugliai vaikai iš ankstesnės santuokos buvo užauginti jos, tačiau ji jaučia nepasitenkinimą jo nedėkingumu ir šiek tiek atsitraukusia laikysena jų santykiuose. Ji taip pat labai nerimauja dėl savo senyvo amžiaus mamos Arlette (švelniai vaidina Marie-Christine Barrault), kuri pradeda patirti demencijos požymius. Tačiau Gabrielle gyvenimas, kurio chaosą iki šiol buvo galima valdyti, apverčiamas, kai rašytoja ir literatūros žurnalistė Frida (Mélanie Thierry) paprašo stebėti vieną iš jos operacijų kaip tyrimą romanui: tarp jų užsimezga ryšys, ir netrukus jie pradeda aistringą romaną po šiek tiek juokingo slapto rankų laikymo promenados baleto produkcijoje. Filmas visiškai atgyja tik tada, kai Gabrielle kartu su Frida eina interviu su žymiu autoriumi, kurį vaidina neprofesionalas, italų romanas Erri De Luca, kurio kuklus susilaikymas yra tai, ko filmui reikia. Būtent jo griežtame name Italijos Alpėse Frida ir Gabrielle išgyvena savo trauką, kaip autoriaus nakvynės svečiai, galbūt tai buvo slapta numatyta senyvo autoriaus, kuris įspėja Gabrielle, kaip maža yra jos lova. Ar tai krizė Gabrielle gyvenime? Ar santykiai su Frida yra tikri? Ir, jei ne, ar tai užtemdė ar netgi panaikino jos santykius su Henri? Atsakymai į šiuos klausimus atsiskleidžia šiek tiek priverstinėje vakarienės scenoje Turine, kur Gabrielle skaito labai prestižinę paskaitą ir susitinka su itin talentingu menininku iš Japonijos. Galutinis filmo užbaigimas šiek tiek silpnas, tačiau Drucker sugeba išlaikyti tempą. Filmas „Moterų gyvenimas“ buvo parodytas Kano kino festivalyje.

2026-05-13 21:03

Kano kino festivalis: Airių aktorius Barry Keoghan vaidina nusivylusį čerkesų virėją, turintį talentą bendrauti su gyvūnais, Kantemir Balagov trečiame filme. Visi talentingi režisieriai kartais patiria nesėkmių – ir šiuo etapu atsidūrė Kantemir Balagov, kurio ankstesnis filmas „Beanpole“ buvo didelis pasiekimas. Šis tęsinys – iš tikrųjų trečiasis jo filmas – yra pirmasis, sukurtas anglų kalba, ir vyksta tarp čerkesų bendruomenės New Jersey; jame dalyvauja žinomi aktoriai ir vienas itin savimi pasitikintis ikonos pasirodymas, kuris akivaizdžiai signalizuoja apie kino mėgėjų svarbą. Drugelių džemas yra dirbtinis, tonaliai neaiškus, nelogiškas ir, tiesą sakant, gana kvailas savo silpno magiško realizmo atžvilgiu, su šiek tiek nepatogiu antriniu „Mean Streets“ dialogu ir pedantišku etniniu maisto kreditu, o svarbūs įvykiai dažnai vyksta už kadro be akivaizdžios priežasties. Barry Keoghan vaidina Aziką, našlį, kuris kartu su savo kantriai laukiančia nėščia seserimi Zalda (Riley Keough) valdo čerkesų maisto restoraną Newark'e; kaip virėjas jis gamina nuostabų delens – skanų sūrio ir bulvių patiekalą pagal savo (slaptą) receptą, papuoštą skaniais džemais, iš kurių vienas, jis juokais praneša, pagamintas iš drugelių. (Greičiausiai jis juokauja, tačiau turi nuostabų ryšį su gamta, kaip matysime.) Jo paauglys sūnus Temiras (Talga Akdogan) yra talentingas imtynininkas, svajojantis apie olimpinius apdovanojimus, ir jis turi mielą simpatiją kitai imtynininkei Alikai (Jaliyah Richards). Azikas yra pakankamai patenkintas savo mažame restorane, tačiau svarsto, ar galėtų uždirbti daugiau dirbdamas viename iš blizgančių restoranų, priklausančių didžiulei figūrai Kantik (Zaramok Bachok), sėkmingam vietiniam verslininkui. Jis taip pat yra nusivylęs, kad turi toleruoti ir rūpintis erzinančiu ir grubiu pralaimėtoju savo draugų rate, savo beta vyrišku draugu Maratu (Harry Melling), kurio nesaugus elgesys visada atrodo, kad gali virsti smurtu. Po pokalbių slypi macho nuotaika: kas yra nugalėtojas, o kas pralaimėtojas, kas stiprus, o kas silpnas? Azikas, vedamas ekstravagantiško ir romantiško impulso, pagauna laukinį pelikaną, kuris buvo rodomas vietinėje televizijoje, ir laiko jį uždarytą, ketindamas padovanoti kaip keistą dovaną savo būsimai dukterėčiai. Šis pelikanas yra vienas iš momentų, kurie vyksta už kadro, ir mes turime jį priimti kaip tiesą – nors šis konkretus praleidimas veikia pakankamai gerai. Tačiau dar labiau painus momentas yra tada, kai, Marato nešvaraus pasiūlymo paskatintas, Azikas pasamdė vietinę sekso darbuotoją Temiro 16-ojo gimtadienio proga. Tai baigiasi chaotiška ir gėdinga muštynėmis su kitu klientu jos bute, tačiau mes nematome, kaip tai baigiasi, o tai yra tuščia erdvė, kuri nėra įdomi ar dramatiškai patenkinanti. Panašiai vyksta scena, kur Azikas su Temiru eina į Kantiko restoraną, matyt, norėdamas pasiteirauti apie darbo galimybę. Mes matome, kaip Azikas sako Temirui, kad jis buvo atmestas. Galbūt tai yra veido išsaugojimas, kad paslėptų faktą, jog jam nebuvo pasiūlytas darbas? Bet ar Kantik neturėtų būti apsėstas jo gaminimo? Ar pinigai nebuvo pakankami? (Kantik, galų gale, turėtų būti turtingas didžiulis verslininkas?) Arba jis tiesiog negalėjo leisti Zaldai nusivilti? Bet kuriuo atveju, tai yra painiava, o ne paslaptis. Drama veda prie neapykantos nusikaltimo: filmo kulminacinis nelogiškumas, ypač kai policija, matyt, nėra įtraukta. Ir po šio keisto akcento filmas grimzta į sentimentalumą. Keoghan ir Keough turi įspūdingų ir iškalbingų momentų, tačiau tai yra nesėkmė. Drugelių džemas buvo rodomas Kano kino festivalyje.

2026-05-13 15:02

"Ispanų kino kylanti žvaigždė kalba apie tai, kaip tapo našlaite būdama šešerių, apie savo naują filmą „Romería“ ir kodėl ji visada dirba su vaikais. Šeimos susibūrimai Europos autorinio kino filmuose beveik visada yra nelaimingi įvykiai, kurių įtampa svyruoja nuo slaptos nuoskaudos (Louis Malle filmas „Milou gegužę“) iki spektakuliaraus keršto (Thomas Vinterberg filmas „Festen“). Carla Simón filmuose vis dar galima rasti pykčio pėdsakų, tačiau Ispanijos režisierė turi retą talentą: ji priverčia žiūrovus išeiti iš kino su atnaujinta viltimi, kad turėti giminaičių ir palaikyti su jais ryšį gali būti nuostabu. Nėra kito Europos kūrėjo, kuris taip sugebėtų paversti gimtadienio šventes, sodų vakarėlius ar barbekiu prie baseino į jaudinančius žmogaus dorybių ir ydų paveikslus, kaip ši 39 metų kylanti žvaigždė. Nuo audringos vandens kovos Berlinalės Auksinės meškos laimėjusiame ūkininkų dramoje „Alcarràs“ iki necenzūrinio dainavimo prie vakarienės stalo jos naujame filme „Romería“, Simón režisuoja giminystės susitikimus su tokia detalumo dėmesiu, kokį kiti kūrėjai gali skirti veiksmo scenoms ar šokių pasirodymams. Simón paaiškina, kad vienas iš jos naudojamų triukų yra užtikrinti, kad jos aktoriai scenarijų perskaitytų tik vieną kartą prieš pradedant filmavimą, todėl jiems tenka improvizuoti užpildant spragas. Ji savo aktorius veda į vakarėlius, pasivaikščiojimus ir apsipirkimus, ir jei pakeliui kyla nesutarimų, tai tik geriau. Tačiau galutinis paslaptis yra ignoruoti WC Fields žinomą patarimą ir visada dirbti su vaikais ir gyvūnais. „Man niekada neatsibosta dirbti su vaikais“, sako ji. „Kai dirbi tik su suaugusiais aktoriais, filmavimas tampa panašus į idėjos, kurią turi galvoje, įgyvendinimą, o man tai nėra įdomu. Su vaikais visada turi jausmą, kad prieš kamerą gali nutikti kažkas netikėto. Tai išlaiko dalykus gyvus.“ Simón susižavėjimas laisvų šeimos gyvenimo scenų vaizdavimu neabejotinai buvo išgrynintas per jos pačios biografiją. Gimusi Barselonoje 1986 metais, jos tėvas mirė, kai jai buvo tris, o motina – šešerių. Abu jie mirė nuo AIDS. Ji buvo 12, kai jos įsivaikinta motina pasakė, kad jos tėvai buvo užsikrėtę imunodeficito virusu dėl narkotikų vartojimo. Visi trys jos pirmieji filmai buvo stipriai autobiografiniai: 2017 metais išleistas „Vasara 1993“ pasakoja apie šešerių metų mergaitę, kuri po motinos mirties persikelia gyventi pas tetą į neapibrėžtą kaimo vietą, o 2022 metų „Alcarràs“ konkrečiai vyksta Katalonijos persikų auginimo bendruomenėje, kurioje gyvena jos įsivaikinimo šeima. Jos trečiasis filmas „Romería“, kuris ispaniškai reiškia „peleriną“, giliau nagrinėja biologinių tėvų istoriją, kurią ji vos pažinojo. Aštuoniolikmetė Marina keliauja pas giminaičius Vigo, šiaurės vakarų Galicijoje, tariamai norėdama rasti savo biologinio tėvo mirties liudijimą, kurio reikia studijuoti kino kūrimą Barselonoje. Pradinis reakcija yra šilta, tačiau šeima yra kambarys su tamsiomis kampais ir užrakintomis spintomis. „Kodėl tu tik dabar atėjai mus aplankyti?“, griežtai klausia jos močiutė. „Tu nepanaši į savo motiną.“ Jos tėvas, kaip ji greitai sužino, mirė penkeriais metais vėliau, nei buvo sakyta – kas nutiko tuo laikotarpiu, apgaubtame tylos? Filmas plačiai remiasi Simón kelionėmis, kurių metu ji susitiko su giminaičiais Madride, Barselonoje ir Galicijoje. „Norėjau atlikti šią kelionę iš smalsumo, o ne iš nuoskaudos ar pykčio“, sako ji. „Daugelis filmų ar istorijų apie šaknų paiešką kyla iš jausmo, kad esi apleistas – aš to nenorėjau, nes turėjau šeimą per savo įsivaikintus tėvus. Bet tas jausmas, kad esi nepatogiai su žmonėmis, kurie tur

2026-05-13 09:01

Pierre Salvadori fantastiška istorija apie apgaulingą mediumą ir liūdną tapytoją turi žavesio ir elegancijos, tačiau jos romantiška fantazija niekada visiškai neįsiplieskia. Šių metų Kanų festivalio programa prasideda nuo kažko, kas liko iš saldžiųjų patiekalų: lipnus, klampus ir šiek tiek plokščias komedijos apie meną, kuriam ne visi turi skonį. Apgaulingas dvasininkas Prancūzijos vaizdingoje belle époque laikotarpiu apsimeta, kad bendrauja su mirusiu mylimuoju liūdinčio ir kūrybiškai užblokuoto menininko, tačiau iš tikrųjų ją į tai privertė gudrus tapytojo agentas, įsitikinęs, kad jo kliento ekstazė bendraujant su šiuo mylimuoju iš anapus įkvėps jį vėl pradėti kurti labai brangius paveikslus. Filmą režisuoja ir kartu rašo Pierre Salvadori, o rezultatas primena vidutinio laikotarpio Woody Alleno arba Noël Cowardo „Blithe Spirit“ – nors Allenas ir Cowardas tikrai būtų pasinaudoję akivaizdžia naratyvine galimybe, kad mirusysis iš tiesų kalbėtų per šį apgaulingą mediumą. Iš tikrųjų, šis filmas nėra labai skirtingas nuo Cédric Klapisch „Colours of Time“ iš praėjusių metų Kanų, nors su daugiau įtemptos komedijos ir farsų. Anaïs Demoustier vaidina Suzaną, jauną moterį iš keliaujančio cirko, neseniai atvykusią į Paryžių, kuri scenoje, vilkėdama savo blizgančią aprangą, yra Elektrinė Venera; kai jos rankos sklinda virš dviejų spragsinčių Van de Graaff generatorių tipo rutulių, ji bučiuoja jaunus vyrus iš minios už 30 centimų, kol tikrojo meilės elektrai šnypščia per jų lūpas. Kaip skelbia barkeris: „Tai ne idėja ar metafora; tai gryna sensacija!“ Kai Suzana yra dvasininko palapinėje, liūdinčio menininko Antoine (Pio Marmaï) pasirodo, reikalaujantis prieigos prie savo mirusios mylimosios Irène, kurios mirtį jis kaltina ant savęs, nes ją apgavo. Suzana apgaudinėja per suklastotą seansą ir greitai – ciniško gudraus galeristo Armand (Gilles Lellouche) paskatinta – ji atvyksta į jo prabangią namą, slapta naudodama kontaktinius lęšius, kad suklastotų savo regėjimo aklumą, ir slaptai peržiūri Irène dienoraščius, ieškodama įtikinamų detalių. Tačiau, kai Antoine kūrybiškumas vėl užsidega, Suzana supranta (žinoma), kad įsimyli jį. Šio filmo tempas šiek tiek sulėtėja dėl ilgesnių atsiminimų, kurie parodo pačią Irène, kurią vaidina Vimala Pons; ji nėra paprasta šypsena, bet protingai išsilavinusi meno mylėtoja, kurios emocinis gyvenimas yra netikėtesnis, nei manėme. Šie atsiminimai skirti atskleisti paslaptis, kurios subalansuoja Armand ir Suzanos komišką apgaulę, tačiau jie veikia šiek tiek sklandžiau trumpesniais epizodais, kai ilgesnis ir nepatogus paaiškinamasis atsiminimas yra praeityje. Tačiau filmo absurdiškumas ir senamadiškas dramatinis stilius niekada visiškai nepradeda gyventi. „Elektros bučinys“ buvo rodomas Kanų kino festivalyje.